ESZ NEWS N. 60 Febbraio 2013.pdf - Edizioni Suvini Zerboni

Ivan Fedele 

ESZnews 

Edizioni Suvini Zerboni - Notiziario quadrimestrale 

Sculture sonore 

T 

re capoluoghi della Svizzera francese e tedesca – 

Losanna, Zurigo e Ginevra – entrano nella primavera 

2013 componendo un articolato “Portrait Ivan Fedele”. 

Il 15 marzo studenti e solisti della Haute École de 

Musique (HEMU) propongono a Losanna (HEMU, Utopia 

I, Grotte 2), la prima parte del ritratto, in forma di concerto 

da camera. In cartellone Flamen per quintetto di fiati, 

Imaginary Sky-Lines per flauto e arpa, Viaggiatori della 

notte, tre pezzi per violino solo, Il giardino di giada per 

oboe d’amore e trio d’archi, e Magic per quattro saxofoni. 

Tre giorni più tardi, il 18 marzo, la medesima sede 

ospiterà la seconda parte del “Portrait”, impreziosita dalla 

– 

prima esecuzione assoluta di Mudra per ensemble, 

commissione del Namascae Lemanic Modern Ensemble, 

che l’esegue nel contesto dell’Académie Namascae 2013 

congiuntamente all’Ensemble Contemporain de l’HEMU, 

sotto la direzione di William Blank. Nel medesimo 

concerto verrà proposto anche Immagini da Escher per 

ensemble e Richiamo per ottoni, percussioni e elettronica, 

con Alessandro Ratoci alla regia del suono e al live 

– 

electronics. Richiamo e Mudra saranno ripresi dai 

medesimi interpreti il 21 marzo a Zurigo, Zürcher 

Hochschule der Künste (ZHdK), abbinati a Ali di Cantor 

per quattro gruppi strumentali. Quest’ultimo programma 

verrà riproposto il 22 marzo alla Salle Communale 

Plainpalais di Ginevra per il Festival Archipel. In questi 

– 

termini il compositore presenta il nuovo lavoro: «Mudra è 

un termine sanscrito che ha molti significati strettamente 

Crescendo in musica 

i conclude nella primavera 2013 con l’esecuzione degli 

ultimi tre movimenti il ciclo di Crescendo, otto brevi brani 

in forma di studio per orchestra da camera. Daniele 

Parziani guiderà al Teatro Dal Verme di Milano l’Orchestra 

I Piccoli Pomeriggi Musicali di Milano composta da 

musicisti tra i 10 e i 17 anni – presso la quale Solbiati è 

stato per due anni composer in residence – nelle prime 

esecuzioni assolute di Masques (VI movimento) il 10 

febbraio, Luce (VII movimento) il 24 marzo e Danza (VIII 

movimento) il 26 maggio. Racconta l’Autore: «Ogni volta 

il mio scopo è stato quello di avvicinare alle scritture 

contemporanee i giovanissimi strumentisti, costruendo 

una sorta di Mikrokosmos orchestrale. La difficoltà, seppur 

in modo non lineare, è stata via via crescente, ma la mia 

attenzione è sempre andata a una “sdrammatizzazione” 

del rapporto con la musica d’oggi, attribuendo a ogni 

brano una fortissima componente immaginativa e figurale, 

collegata al “tema” centrale del concerto (le festività, le 

stagioni etc.). In ogni caso, devo dire che la splendida 

avventura di questa collaborazione, che condurrà nella 

prossima stagione all’esecuzione integrale e finalmente 

consecutiva degli otto brani, mi ha innanzitutto fatto capire 

che non vi è nessuna difficoltà ad avvicinare i giovanissimi 

alle scritture recenti e che essi sanno benissimo 

“crescere” insieme al compositore. Masques, come si può 

capire dal titolo, prende spunto dal Carnevale. Centro 

d’interesse tecnico è l’attribuzione di un carattere solistico 

via via a ogni fiato e alla prima parte di ogni arco. Una 

situazione di marcia un po’ grottesca e sgangherata, 

Alessandro Solbiati S 

correlati: “sigillo”, “segno”, “simbolo” e “gesto simbolico”. 

Nella storia del suo uso, il termine è passato da una 

funzione di linguaggio gestuale quotidiano a una di 

esperimento di comunicazione simbolica in ambito 

artistico, e in seguito si è trasformato da icona figurativa a 

– 

elemento rituale. Mudra è un titolo che ben si adatta a una 

serie di istanze poetiche ed estetiche che caratterizzano 

gran parte della musica che ho composto negli ultimi anni, 

musica in cui ho praticamente abbandonato la dimensione 

“narrativa” di un tempo in cui le “figure” vivono come 

personaggi di un racconto astratto, preferendo, invece, 

lasciare al tempo il compito di “svelare” la natura intima 

degli agglomerati sonori che si presentano all’ascolto 

come “sculture”. Queste “sculture sonore” esistono nella 

loro globalità a prescindere dalla dimensione temporale 

attraverso la quale, peraltro, svelano la loro natura. Una 

natura i cui segreti vengono, per così dire, “rivelati” 

attraverso prospettive diverse o attraverso illuminazioni 

più o meno parziali, intense o colorate che ne mostrano le 

qualità intrinseche: il profilo della massa, la levigatezza o 

rugosità della superficie, la trasparenza o densità della 

materia e ancora il gioco d’ombre cangianti a seconda 

dell’inclinazione del fascio di luce che l’investe o della 

prospettiva. I processi compositivi privilegiano, così, 

prassi formali più attinenti all’anamorfosi che alla 

metamorfosi, tecniche che ho cominciato a sperimentare 

dal 2005 in Immagini da Escher. Mudra si articola in tre 

parti, tre “sculture” appunto. Pur di “natura” diversa, 

spudoratamente intitolata “Marcia delle maschere” e 

inizialmente riservata agli archi, costituisce una sorta di 

ritornello di rondò che conduce di volta in volta a cinque 

episodi assai differenti e contrassegnati da uno strumento 

solista, riferiti via via alle maschere di Arlecchino 

(clarinetto), Colombina (flauto e violino), Pantalone 

(oboe), Capitan Spaventa (tromba) e Pulcinella (viola e 

violoncello). Ciascuno strumento si somma poi al 

“ritornello”, giungendo a un tutti che è una sorta di tripudio 

finale. Si tratta insomma del mio piccolo Carnaval. 

Luce, che sarà eseguito a ridosso di Pasqua, è la 

riflessione drammatica e tesa, per nulla edulcorata, sulla 

tensione alla trascendenza che contraddistingue in forme 

assai differenti ogni cultura e ogni esperienza umana. Il 

passaggio pasquale dalla morte alla vita, lungi dall’essere 

monopolio del credo cristiano, è in ogni simbologia: così 

l’oscuro cupo e aspro dell’inizio si trasforma via via nelle 

“mani protese verso l’alto” dell’evoluzione progressiva e 

nello squarcio luminoso finale. Scopo tecnico era qui 

quello di riprendere un ampio ventaglio di timbri e tecniche 

strumentali proposte ad una ad una nei vari brani e dare 

loro l’unità d’un solo percorso evolutivo, cercando la 

massima coesione del suono orchestrale. Danza è il 

punto d’arrivo ma in un certo senso anche di partenza del 

mio cammino con i Piccoli Pomeriggi. Mi spiego: quando 

Daniele Parziani mi propose la collaborazione con questa 

compagine, mi propose in primo luogo la versione 

semplificata d’un breve brano che avevo composto nel 

2010 per i Pomeriggi Musicali, un omaggio a Schumann 

60 

febbraio2013 

– 

continua a pag. 2 

continua a pag. 3 

Una novità per ensemble al 

centro della celebrazione 

monografica in Svizzera e 

un’ulteriore prima a Witten 

Conclusione del ciclo 

concepito per I Piccoli 

Pomeriggi Musicali 

di Milano, prima alla 

Chigiana e residenza al 

Festival International 

Saint-Dizier Grand Der

Aldo Clementi 

Due prime esecuzioni 

condividono un medesimo 

procedimento compositivo 

Informel 2 per 15 esecutori è 

stato proposto il 20 gennaio 

all’Auditorium Stelio Molo della 

RSI di Lugano, 

nell’interpretazione 

dell’Ensemble 900 del 

Conservatorio della Svizzera 

Italiana diretto da Francesco 

Bossaglia. Il 23 febbraio 

l’Ensemble Asamisimasa 

propone al Klaus-von-Bismarck 

Saal del WDR di Colonia 

Ricercare per chitarra, Lento 

per violoncello solo e Dedica 

per clarinetto, violoncello e 

pianoforte. 

Francisco Guerrero 

La Fundación BBVA di Bilbao 

propone il 5 febbraio 

l’esecuzione di Delta Cephei 

per due clarinetti, violino, 

viola e violoncello, 

nell’interpretazione 

dell’Ensemble Kuraia diretto 

da Andrea Cazzaniga. 

2 

Giorgio Colombo Taccani 

Frammenti di DNA sonoro 

I 

l 26 gennaio al Teatro Verdi di Busseto, con replica il 

27 gennaio alla Sala dei Teatini di Piacenza, avrà la sua 

prima esecuzione Ier… Una riverberazione selettiva di 

“Il Poveretto” di G. Verdi, per voce e sei strumenti; ne 

saranno esecutori il soprano Renata Campanella e 

l’Ensemble Nuove Musiche diretto da Guido Maria 

Guida. Così Colombo Taccani introduce il lavoro: «Come 

se giungesse da una grande distanza in una notte di 

vento intermittente, una lirica da camera di Verdi ci 

lascia percepire chiaramente solo alcune sillabe della 

linea vocale, pur essendone vagamente intuibile l’intero 

profilo. Della parte pianistica quasi tutto viene perduto. 

Le poche parti arrivate fino a noi restano libere di 

risuonare e di riverberarsi nell’intero ensemble; nulla, 

all’infuori di questi prolungamenti e di un numero 

ristrettissimo di raddoppi di ottava, viene loro aggiunto o 

elaborato rispetto alla pagina originale. Con grande 

sorpresa le sillabe sopravvissute ricreano un nuovo 

testo: ne emerge una pagina malinconicamente 

introversa, la cui intima riservatezza ci si rivela come 

attraverso la decifrazione di un messaggio in codice. 

Una lettera dimenticata da decenni nel cassetto segreto 

di uno scrittoio». Watcher per ensemble troverà invece 

la sua prima esecuzione il 30 aprile al Teatro Elfo 

Puccini di Milano grazie all’ensemble Sentieri Selvaggi, 

committente della composizione, diretto da Carlo 

Boccadoro. Spiega l’Autore: «Quasi tutti i miei lavori da 

tempo trovano lo spunto elaborativo iniziale in un breve 

frammento di provenienza molto varia; Schumann, 

Ravel, melodie di corale, brevi incisi gregoriani si sono 

alternati a Duke Ellington o ai Procol Harum; piccoli 

elementi di DNA che andavano a informare ogni aspetto 

del lavoro, dalla sostanza armonica alle proporzioni 

generali e all’alternanza delle sezioni; a volte traspare 

qualche suggestione derivante dall’immaginario 

musicale dello spunto di provenienza, mentre altrove, 

più spesso, il mio lavoro si è poi svolto in totale 

indipendenza e autonomia espressiva. Anche in 

quest’occasione mi sono mosso secondo tale abitudine 

consolidata; non dovrebbe essere difficile intuire quale 

sia lo spunto originario del mio lavoro, che lascio 

comunque affidato all’eventuale curiosità di chi ascolta 

(in un paio di circostanze dovrebbe risultare davvero 

evidente…) dal momento che il brano non si muove 

segue da pag. 1 (Fedele: Sculture sonore) 

rivelano tutte un “carattere rituale” che ne 

contraddistingue non solo la natura intrinseca ma anche 

– 

la percezione sensibile. Mudra è stato scritto per 

l’Ensemble Namascae cui è dedicato insieme all’amico 

William Blank». I Wittener Tage für Neue Kammermusik 

propongono il 27 aprile nell’interpretazione del Quatuor 

Makrokosmos, un’ulteriore prima esecuzione assoluta di 

Ivan Fedele, Phasing per due pianoforti e due 

percussionisti, commissione del WDR 3. Mosaïque per 

violino e orchestra da camera è stato ripreso il 17 

gennaio nel contesto d’un concerto-lettura al 

Conservatoire Massenet di Saint-Étienne. Francesco 

D’Orazio e l’Ensemble Orchestral Contemporain sono 

stati diretti da Daniel Kawka, con repliche il 18 gennaio 

al Théâtre Copeau, Opéra Théâtre de Saint-Étienne, e il 

23 gennaio al Grand Théâtre de Provence di Aix-en- 

Provence per il Festival Présences di Radio France. 

Sempre nel mese di gennaio Ivan Fedele ha tenuto, su 

invito di Frank Bedrossian, una masterclass di 

composizione al Dipartimento di Musica della University 

of California, Berkeley. Nell’ambito della residenza del 

compositore a Berkeley è stata eseguita il 26 gennaio 

dall’ECO Ensemble diretto da David Milnes La chute de 

la Maison Usher, musica per il film omonimo di Jean 

Epstein. Palimpsest, Quarto Quartetto per archi è stato 

proposto dal Quartetto Prometeo il 27 gennaio 

alludendo ai suoi ambiti stilistici ed espressivi. Ciò che è 

più importante sottolineare è come Watcher prosegua 

sulla linea già avviata dai miei lavori recenti, prediligendo 

scelte dirette, per lo più improntate a una grande 

esuberanza gestuale e a contrasti particolarmente 

energici; tutto ciò è evidente in particolare nelle prime 

pagine, caratterizzate frequentemente da un luminoso 

assetto diatonico e dall’epilogo del percorso, proiettato 

sia verso ruvidi agglomerati omoritmici sia verso la 

sparizione di connotati armonici riconoscibili, a causa 

dell’instabilità e della frequente distorsione dei suoni. 

Questo porta, mi auguro, a una leggibilità abbastanza 

diretta del brano, unitamente, va detto, a difficoltà non 

piccole dal punto di vista esecutivo, rendendo quindi 

ovvia la mia grande riconoscenza nei confronti degli 

interpreti e del direttore chiamati a un compito 

decisamente arduo». Il 22 marzo Roberto Fabbriciani 

presenterà nuovamente Restless White per flauto solo, 

a lui dedicato, nell’ambito del Sonic Fusion Festival di 

Salford, mentre il 31 maggio Il pianto di Giuturna per 

soprano e ensemble su un testo originale di Vittorio 

Sermonti verrà riproposto a Tokyo nell’esecuzione di 

Maki Ohta e del Nomad Ensemble diretto da Norio Sato. 

Ricordiamo inoltre che Akiko Kozato il 25 ottobre scorso 

ha ripresentato Nox, Tellus per voce sola nell’ambito del 

Festival Spazio Musica di Cagliari; il 27 ottobre il Duo 

Alterno (Riccardo Piacentini e Tiziana Scandaletti) ha 

eseguito nuovamente L’Àgnili per voce e pianoforte su 

due poesie in sardo di Pompeo Calvia al Museo di Santa 

Caterina di Treviso per il Festival “Finestre sul 

Novecento”; il Duo Antilia (Cinzia Cruder e Silvia Cignoli) 

ha ripresentato Antilia per ottavino e chitarra l’11 

novembre nell’ambito del progetto “Irid” presso le 

“Officine Creative Ansaldo” di Milano. Da segnalare 

infine che l’esecuzione di Dura roccia per fagotto e 

orchestra d’archi, registrata a Firenze lo scorso ottobre 

nell’ambito del Festival “Play It!” e che vedeva coinvolta 

l’Orchestra della Toscana diretta da Francesco 

Lanzillotta, verrà inserita nel Cd Bassoon Works del 

solista Paolo Carlini, d’uscita imminente per la casa 

discografica Tactus e comprendente altre pagine 

contemporanee dedicate a questo grande fagottista, fra 

le quali lavori di Ennio Morricone, Nicola Sani, Luis de 

Pablo e Giorgio Gaslini. 

all’Auditorium Celesti di Desenzano, per il V Festival del 

Ned Ensemble, nella Stagione Concertistica “Città di 

Desenzano”. Ciro Longobardi porta in tournée una 

selezione dalle Études boréales e dalle Études australes 

per pianoforte nelle seguenti tappe: il 5 febbraio al 

Conservatorio Superiore di Alicante, il 9 marzo alla 

Gallery 345 di Toronto e il 15 aprile alla Hochschule di 

Basilea. L’Orchestra dell’Arena di Verona diretta da Xu 

Zhong esegue l’8 e il 9 febbraio al Teatro Filarmonico 

per la Stagione Sinfonica della Fondazione Arena di 

Verona Syntax 0.1 (if@hay.dn) per orchestra da camera. 

L’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai propone 

invece il 15 febbraio all’Auditorium Rai di Torino sotto la 

bacchetta di Marco Angius, in prima esecuzione italiana, 

Artéteka (Folkdance 1) per orchestra e Txalaparta 

(Folkdance 2) per set di txalaparta e orchestra. Sandro 

Gorli dirige il 20 febbraio, alla testa del Divertimento 

Ensemble, Immagini da Escher per ensemble per la 

stagione “Rondò” all’Auditorium Gruppo 24 Ore di 

Milano. Mario Caroli esegue il 15 aprile a Budapest 

Dedica e Apostrofe per flauto solo e il 28 maggio a 

Bucarest Donax per flauto solo. Infine, Erinni per 

pianoforte, cimbalom e vibrafono è in programma nella 

versione per pianoforte, dulcimer e vibrafono il 30 

maggio alla Musikhochschule di Basilea, con Franziska 

Fleischanderl al dulcimer.

segue da pag. 1 (Solbiati: Crescendo in musica) 

intitolato Il risveglio di Florestano. Si trattava del 

progressivo emergere da un fondale statico e immobile 

di un carattere di danza sempre più esplicito che 

esplodeva alla fine, rivelando alcune citazioni da 

Schumann. Poi avevamo pensato che era sciocco, non 

specifico e anche un po’ offensivo dedicare all’orchestra 

giovanile solo la versione semplificata di un brano già 

composto, e nacque così il progetto di Crescendo. 

L’ultimo concerto dei Piccoli Pomeriggi è dedicato alla 

fiaba e in programma vi sono vari brani tratti da balletti 

di temi “fiabeschi”. Allora ho pensato che è giunta l’ora, 

dopo sette brani, di dimostrare che l’orchestra giovanile 

è matura per eseguire una musica d’oggi complessa e 

“senza sconti”: ho ripreso Il risveglio di Florestano, che 

era in fondo la nascita di una danza, e ne ho fatto una 

versione nient’affatto semplificata, solo ristrumentata 

per motivi di organico e purgata dei riferimenti 

schumanniani ora fuori luogo, sostituendo un finale tutto 

dedicato ai miei giovani interpreti e all’amico Daniele 

Parziani». Prestigiosa prima cameristica il 22 marzo 

all’Accademia Chigiana di Siena, a Palazzo Chigi 

Saracini, per la Stagione “Micat in vertice”, quando il 

Trio Stauffer eseguirà il Secondo trio d’archi. Spiega 

Solbiati: «Il pezzo è stato richiesto da un giovane trio, 

già con parecchia esperienza alle spalle e che proprio 

in occasione di questo concerto potrà valersi per la 

prima volta del nome di Trio Stauffer, concesso 

dall’omonima Fondazione. Nel 2012 avevo composto 

per il Divertimento Ensemble Alfi, un brano in tre 

movimenti, ciascuno dei quali aveva un diverso 

organico. Il primo era costituito da un fulminante trio 

d’archi di tre minuti in cui ben undici differenti situazioni 

musicali si alternavano con la velocità di un 

fotogramma. Ho pensato allora di ripartire da lì, e di 

considerare quei tre minuti il primo di tre movimenti 

progressivamente di poco più ampi (rispettivamente 

3’30” e 4’) e soprattutto contrassegnati dal progressivo 

“rallentamento” della musica. Il secondo ironizza sulla 

medietas di un clima musicale leggero e un po’ dandy: 

tutto è basato su consonanze di terze e seste che 

vengono ripetutamente aggredite e infine scardinate dal 

materiale più inatteso, una triade maggiore trillata e 

snaturata dalla massima pressione dell’arco. Il terzo 

movimento, di estrema lentezza, parte dalla rarefazione 

di alcuni “relitti sonori” che galleggiano sul vuoto, nei 

quali si profila a poco a poco una sorta di aspirazione 

alla luce e all’infinito, profonda, seppur non 

necessariamente confortevole». Alessandro Solbiati 

sarà il compositore in residenza del Festival 

International Saint-Dizier Grand Der, “Le Printemps de 

la Musique”, dal 22 al 27 aprile, nel corso del quale 

avverranno diverse esecuzioni, tra cui la prima 

esecuzione integrale dei Dodici Lieder da “Winterreise” 

nella trascrizione per violino e viola, affidata al duo 

Dejan Bogdanovic e Pierre-Henri Xuereb. Così l’Autore 

racconta questa esperienza creativa: «La richiesta 

fattami da Pierre-Henri Xuereb di trascrivere per violino 

e viola una parte considerevole dell’immensa 

Winterreise schubertiana è giunta al suo termine, 

arrestandosi alla metà dei Lieder. All’inizio pensavo si 

potesse trattare di una scommessa assai pericolosa; a 

poco a poco ho scoperto quanto sia possibile aderire al 

dettato schubertiano senza cambiarne nemmeno una 

nota, eppure compiere il “proprio” viaggio nella sua 

musica, rendendo il canto un dialogo tra i due strumenti, 

sottolineando o assottigliando talune armonie, 

orientando, ampliando e a volte forzando taluni percorsi 

di registro e così via: si tratta di un atto d’amore per uno 

dei più grandi capolavori dell’arte occidentale». Nel 

medesimo quadro verranno proposti Ianus per 

orchestra d’archi e, nell’interpretazione degli studenti 

del corso, Dawn per flauto e arpa, Albatros per flauto, 

violino e pianoforte, Manet per violoncello e pianoforte, 

Trio per violino, violoncello e pianoforte, e Klimt per 

violino, viola, violoncello e pianoforte. Il 4 maggio Luigi 

Attademo esegue a Carpi i primi cinque movimenti sui 

sei complessivi (il V in prima esecuzione assoluta) di Le 

sei corde di Niccolò per chitarra, nelle parole di Solbiati, 

«fogli d’album senza pretese unitarie, costituiti ciascuno 

dalla semplice esposizione di un’idea musicale, anelli 

d’una mia catena di piccoli brani chitarristici, nell’ambito 

del progetto di Attademo attorno ai Ghiribizzi per 

chitarra di Niccolò Paganini». Luigi Gaggero propone 

invece l’8 maggio a Venezia per il Festival Pas-E, 

“Nuovi Madrigali Italiani”, alla testa dell’ensemble La 

Dolce Maniera, la prima di E tu seguivi, piccolo 

madrigale per cinque voci su testo di Dino Campana. 

Spiega Solbiati: «L’amicizia e la lunga collaborazione 

con Luigi Gaggero come cimbalonista ha preso una 

nuova piega, da lui stesso provocata nel momento in 

cui è divenuto promotore e direttore di un magnifico 

ensemble vocale che intende alternare repertorio 

rinascimentale e contemporaneo. Per il momento, su 

sua stessa richiesta, si tratta di un breve brano che 

utilizza come testo un verso di Dino Campana (“...e tu 

seguivi nell’aria la fresca incarnazione di un mattutino 

sogno...”), che pochi mesi fa ha “ispirato” il Prologo del 

mio To Whom?, per voce femminile sola, senza però 

essere esplicitamente cantato. In quel caso, infatti, 

l’utilizzo della voce sola avrebbe reso troppo esplicito e 

didascalico il percorso immaginativo così fortemente 

suggerito dal verso, mentre qui il rapporto polifonico 

stabilito con la parola mi ha permesso di coniugare 

significato e percorso musicale, ponendoli in un 

rapporto di reciproco nutrimento». Di Alessandro 

Solbiati è possibile ascoltare il 5 febbraio Due adagi 

(Tiresia e la Pizia) per violino alla Salle Ockeghem 

dell’Atelier Musical de Touraine di Tours, 

nell’interpretazione di Eric Lacrouts. Il 16 e 17 febbraio 

l’Orchestra dell’Arena di Verona diretta da Silvio Viegas 

propone al Teatro Filarmonico, per la Stagione Sinfonica 

della Fondazione Arena di Verona, Raggio per 

orchestra da camera. Il 27 febbraio Alessandro Solbiati 

presenta all’Auditorium San Fedele di Milano la 

proiezione della produzione video dell’opera Leggenda. 

Il giorno dopo, 28 febbraio, l’Orchestra Sinfonica del 

Teatro Comunale di Bologna diretta da Philipp von 

Steinaecker propone al Teatro Manzoni di Bologna, 

nell’ambito della Stagione Sinfonica del Teatro 

Comunale, la prima esecuzione assoluta dei Sei Lieder 

giovanili di Arnold Schönberg nell’orchestrazione di 

Alessandro Solbiati. Il 2 aprile François Petit e Carole 

Carniel-Petit presentano alla Salle Ockeghem 

dell’Atelier Musical de Touraine di Tours Dies per 

clarinetto e pianoforte e, coadiuvati da altri musicisti, 

Pour Ph.B. per clarinetto, violino, violoncello e 

pianoforte. Sempre a Tours verranno eseguiti il 4 aprile, 

per le Journées de la Composition, Sonata per 

pianoforte e Corde per viola sola, quest’ultima 

nell’interpretazione della violista Maël Bailly. Maria 

Grazia Bellocchio propone il 10 aprile presso 

l’Auditorium Gruppo 24 Ore di Milano, per la stagione 

Rondò, gli Interludi per pianoforte. Laura Catrani 

eseguirà il 25 aprile a Graz To Whom? per soprano 

solo. Durissimo silenzio per sei voci femminili e 

pianoforte sarà proposto il 28 aprile per i Rencontres 

Contemporaines di Lione da Ancuza Aprodu, pianoforte, 

e dall’Ensemble Six Voix Solistes diretto da Alain 

Goudard, con replica il giorno dopo, 29 aprile, alla sala 

Utopia 1 della Haute École de Musique di Losanna. 

Maurizio Longoni e l’Ensemble del Conservatorio “G. 

Verdi” di Milano eseguiranno a fine aprile Mi lirica 

sombra per clarinetto basso e sette strumenti. Infine, 

una selezione da Linee, otto contrappunti e preludi per 

voci e diversi strumenti da Die Kunst der Fuge di 

Johann Sebastian Bach, sono in programma il 23 

maggio all’Auditorium del Conservatoire du XIX Adt di 

Parigi, nell’interpretazione dell’Ensemble Alternance. 

Sono previsti un incontro con Alessandro Solbiati e la 

proiezione del film Heimat Bach di Ulli Aumüller, con 

musiche di Johann Sebastian Bach, György Kurtag e 

Alessandro Solbiati. 

Luigi Dallapiccola 

Le Variazioni per orchestra 

sono in cartellone, nella 

direzione di Francesco 

Angelico, il 5 aprile al Tonhalle 

di Zurigo con il Tonhalle 

Orchester Zürich, e il 12 aprile, 

con replica il 14, allo 

Staatstheater Cottbus con il 

Philharmonisches Orchester 

Cottbus. A Dallapiccola è 

dedicato il numero 158, agosto 

2012, della nuova serie di 

«Musik-Konzepte» (Monaco, 

Edition Text+Kritik), che 

s’interroga sul significato 

storico del compositore istriano 

attraverso una raccolta di 

cinque saggi aperta dai 

contributi di Dietrich Kämper e 

Joachim Noller. 

Goffredo Petrassi 

Pietro Borgonovo ha diretto gli 

strumentisti dell’Orchestra del 

Teatro La Fenice nella 

Serenata per cinque strumenti 

e nella Sonata da camera per 

clavicembalo e dieci strumenti il 

21 gennaio al Teatro La Fenice 

di Venezia per la Società dei 

Concerti. Il 24 e 25 febbraio 

l’Auditorium di Via della 

Conciliazione a Roma ospita 

un’esecuzione di Récréation 

concertante (Terzo Concerto) 

per orchestra, affidato 

all’Orchestra Sinfonica di Roma 

diretta da Francesco La 

Vecchia. 

3

Due prime in estremo Oriente 

che indagano le potenzialità del 

suono, due omaggi a Giacinto 

Scelsi e un concerto monografico 

Roberto Fabbriciani 

Roberto Fabbriciani ha 

eseguito il 20 gennaio alla 

Stanza di Trieste, per 

l’Associazione Musicale Libera, 

una serie di proprie 

composizioni: 3 studi per flauto 

solo, Suoni per Gigi per flauto e 

nastro magnetico e Pensieri nel 

vento per flauto e nastro 

magnetico, insieme a Zeus 

joueur de flûtes per flauti e 

nastro magnetico di Henri 

Pousseur/Roberto Fabbriciani. 

Il 22 marzo il flautista ripropone 

al Sonic Fusion Festival di 

Salford Suoni per Gigi e Zeus 

joueur de flûtes. 

Andrea Mannucci 

Solo per flauto è in programma 

il 22 marzo al Sonic Fusion 

Festival di Salford 

nell’interpretazione di 

Roberto Fabbriciani. 

4 

Nicola Sani 

Scavi e percorsi 

T 

re le prime esecuzioni assolute per Nicola Sani nella 

prima parte del 2013. Apre la serie Astratto II per violino 

e violoncello, in programma il 23 febbraio allo Studio 

Haru di Nagoya (Giappone) nell’interpretazione dei 

Solisti del Trio Musica QuLakoza: Rika Soukawa e 

Hikaru Sato. Spiega l’Autore: «Questo nuovo lavoro 

cerca nel suono dei due strumenti e nei 

modi con cui dialogano e intervengono 

l’uno nell’altro una prospettiva 

completamente astratta da qualsiasi 

vincolo. È un percorso di “scavo” nella 

materia, di combustioni, specchi, scambi 

di materiale grezzo. I due strumenti sono 

lontani, anche fisicamente, e misurano la 

loro distanza attraverso diverse possibilità 

di entrare in relazione l’uno con l’altro, 

l’uno dentro l’altro. Lo spazio che 

intercorre tra di loro è quello dell’ascolto, 

che lascia agli interpreti il modo di trovare 

il proprio cammino, di pensarlo, di 

reinterpretarlo, trasformandolo in un 

progetto di tempo, ogni volta diverso». 

Il 10 marzo Arnaldo De Felice propone alla Sala Poly di 

Pechino Hallucinée de lumière parmi les ombres per 

oboe solo, con repliche il 18 marzo al Teatro Manzoni di 

Bologna per la rassegna “Musica Insieme”, in prima 

esecuzione italiana, e il 20 marzo a Roma, nella Sala 

del Gonfalone. Così Sani presenta il lavoro: «Questa 

nuova composizione nasce dal mio incontro con 

l’oboista e compositore Arnaldo De Felice e dai discorsi 

condivisi con lui sul modo di pensare il suono. Un suono 

ruvido, grezzo, spontaneo, immediato, cosciente, 

antagonista, basato sulle sonorità estreme dell’oboe. 

Hallucinée de lumière parmi les ombres è un dialogo 

interiore tra i suoni, l’aria e i ritmi dell’inconscio, un 

viaggio introspettivo attraverso i timbri generati 

dall’oboe, pensati come forma acusticamente elaborata 

nelle strategie esecutive nel tempo e nello spazio 

determinate e sperimentate con l’interprete. Non si 

ascoltano i suoni tradizionali dello strumento, ma la loro 

trasfigurazione in un universo di sonorità dilatate, 

elaborate già nel loro manifestarsi ed espanse nelle 

possibili multifonie. Dall’oboe si dirama un cosmo di 

suoni che richiama gli orizzonti della vocalità. Il silenzio 

entra in questa drammaturgia come senso del limite, 

della solitudine, elemento di tensione, dialogo, contrasto 

e sospensione. La struttura della partitura è aperta e 

permette diversi percorsi e molteplici livelli interpretativi. 

Attraverso l’idea di una continua esplorazione delle 

periferie del suono, vengono messi in relazione codici 

diversi, echi e frammenti. Così si crea un dialogo tra 

forze in opposizione, strutture che si aprono verso 

orizzonti illimitati e improvvise figurazioni ritmiche. 

Il tempo viene eliminato e la materia conosciuta rimane 

in sospensione, a galleggiare in un mare di linee sonore 

che l’attraversano. È un altro mare, dove si incontrano 

isole sonore da esplorare, da ascoltare in maniera 

diversa e dove si raccoglie ciò che si riconosce e ciò che 

si scopre. Il titolo della composizione deriva da una 

poesia di Giacinto Scelsi, profondo esploratore di 

quell’universo ancora in gran parte pieno di misteri che 

chiamiamo suono». E proprio a Scelsi si rifà la novità in 

cartellone il 1° maggio al Grosser WDR Sendesaal di 

Colonia per il Festival Acht Brücken, Musik Triennale 

Köln, dove il Klangforum Wien diretto da Johannes 

Kalitzke proporrà Gimme Scelsi per ensemble e 

elettronica. Così Sani introduce il lavoro: «Questa 

composizione è scritta su commissione del Klangforum 

Wien, in occasione del progetto “Giacinto Scelsi 

Revisited” realizzato dall’ensemble 

viennese in collaborazione con la 

Fondazione Isabella Scelsi. L’importanza 

di Scelsi non è per me legata soltanto al 

significato della sua vasta produzione 

musicale, ma risiede soprattutto nelle 

questioni da lui poste sul modo di 

affrontare la prassi sperimentale nella 

composizione, mettendola concretamente 

in opera senza venire meno a una 

necessità espressiva, comunicativa e 

poetica. In altre parole, al di là della sua 

attività compositiva, Scelsi ha posto al 

centro dell’attenzione temi che fanno di lui 

uno dei più grandi utopisti del XX secolo, 

anticipatore del moderno concetto di 

experimental music. Ho conosciuto Giacinto Scelsi 

soltanto di vista, in una Roma di molti anni fa, durante la 

stagione che culturalmente è stata definita “dell’effimero” 

e politicamente degli “anni di piombo”: gli anni Settanta, 

complessi e drammatici ma pieni di fermenti creativi, in 

cui la “città eterna” sembrava esplodere di suoni, poesie, 

immagini, colori e rivendicazioni sociali. In quella Roma, 

frequentata dai protagonisti delle avanguardie sonore, 

del teatro sperimentale, della danza contemporanea, del 

free jazz, dell’improvvisazione musicale, dove la nuova 

musica si univa al rock progressivo e alla riscoperta del 

repertorio popolare, si cominciava a diffondere la musica 

di Giacinto Scelsi. La si ascoltava nei “santuari” delle 

avanguardie: gli scantinati, i teatri sperimentali, le 

gallerie d’arte, i locali off nel quartiere di Trastevere, o 

presso alcune istituzioni culturali “illuminate”. Gimme 

Scelsi è un omaggio a quegli anni, in cui scoprivo un 

nuovo mondo sonoro dove rock e avanguardie erano un 

riferimento unico; un omaggio e un pensiero 

riconoscente all’influenza che la musica di Scelsi ha 

avuto sui linguaggi delle nuove generazioni, sulle 

sperimentazioni del rock progressivo, sulla cultura 

psichedelica, sulle diverse musiche e sulle musiche 

“diverse”». L’Ensemble Orchestral Contemporain è stato 

diretto da Daniel Kawka in Deux, le contraire de “un” per 

ensemble il 18 gennaio al Théâtre Copeau, Opéra 

Théâtre de Saint-Étienne, e il 23 gennaio al Grand 

Théâtre de Provence di Aix-en-Provence per il Festival 

Présences di Radio France. Roberto Fabbriciani 

proporrà il 22 marzo al Sonic Fusion Festival di Salford 

I binari del tempo per flauto e nastro magnetico. Infine, 

l’Associazione Musica d’Oggi di Roma organizza l’8 

aprile alla Sala Puccini del Circolo del Ministero delle 

Infrastrutture, nell’ambito del ciclo “Incontri con l’Autore”, 

un concerto monografico dedicato a Nicola Sani, durante 

il quale verranno eseguiti dall’Ensemble Musica d’Oggi 

A Lina Bucci Fortuna per pianoforte, Come una specie 

d’infinito per violoncello e pianoforte e Oltre il deserto 

spazio per flauto, clarinetto, violino, violoncello e 

pianoforte; verranno inoltre proiettati estratti dal video 

dell’opera Il tempo sospeso del volo. 

È disponibile on line il catalogo delle Edizioni Suvini Zerboni. 

Tutte le opere da noi pubblicate sono consultabili all’indirizzo www.esz.it. 

Un potente, completo e efficace motore di ricerca permetterà di consultare il nostro catalogo 

e di fare ricerche per strumento, organici, titolo, autore. 

Inoltre si potrà accedere a utili informazioni come le biografie degli autori, 

notizie sulle composizioni, prime esecuzioni, novità editoriali.

Marco Momi 

Scoprirsi soli 

M 

arco Momi è compositore in residenza nella 

stagione “Rondò 2013” del Divertimento Ensemble, nel 

corso della quale propone quattro lavori, due dei quali in 

prima esecuzione assoluta. Sandro Gorli dirige la 

compagine a Milano, presso l’Auditorium 

Gruppo 24 Ore, il 23 gennaio in Iconica II 

per ensemble e il 20 febbraio in Iconica IV 

per ensemble e live electronics; il 20 

marzo la solista Maria Ronchini propone la 

prima esecuzione di Due nudi per viola; 

infine il 12 maggio, con l’apporto dei 

Piccoli musicisti di Divertimento Ensemble 

- Laboratorio “Giocare la musica”, sarà 

presentato in prima esecuzione assoluta 

Ludica III per ensemble, tre gruppi di 

bambini e elettronica, con anteprima il 10 

aprile presso la Sala conferenze del Museo del 

Novecento di Milano in occasione della manifestazione 

“Backstage del pensiero creativo - Scomponiamo una 

partitura”. Un’ulteriore prima avrà luogo il 18 marzo al 

Festival Ars Musica di Bruxelles, nell’ambito di un 

concerto dell’Ensemble Nikel dedicato in parte a Marco 

Momi. La novità, Cinque nudi per saxofono e stomp 

boxes, affidata al solista dell’ensemble Vincent Daoud, 

è accostata a Ludica II per ensemble e elettronica. 

Così l’Autore presenta la serie dei Nudi: «È un piccolo 

percorso sulla solitudine di uno strumento con il suo 

interprete. Una piccola collezione sull’evanescenza del 

dialogo che diventa monologo, sull’attimo dello scoprirsi 

soli che è fatto di perfetta intimità e crudo disagio. Uno 

spazio percettivo fatto di storie che non richiedono di 

essere raccontate perché non c’è pubblico e perché si 

sa che andranno perse nel tempo cronometrico: la loro 

vita si esaurisce nello slancio di un pensiero. Una 

dimensione in cui il corpo messo a nudo si smonta dei 

caratteri sociali, si annusa, si accarezza. Nel guardarsi 

allo specchio esce da sé e si osserva. Nel primo dei 

Due nudi per sola viola si osserva il puro gioco digitale 

sulle corde, come un lento aggrovigliarsi di 

combinazioni che si scoprono: torna il predominio 

dell’intavolatura sull’armonia, ma il suono è puro, non 

Aureliano Cattaneo 

Lavorare la materia 

U 

na prestigiosa prima esecuzione italiana di Aureliano 

Cattaneo, Selfportrait with Orchestra per orchestra, è in 

cartellone l’8 febbraio all’Auditorium Rai di Torino 

nell’interpretazione dell’Orchestra Sinfonica Nazionale 

della Rai diretta da Daniel Kawka. Si tratta della prima 

esecuzione della versione definitiva del pezzo proposto 

originariamente al Festival Musica di Strasburgo 

nell’ottobre 2010. Si tratta d’un trittico sinfonico che 

l’Autore presenta in questi termini nei tre movimenti: 

«“Musica con Patinir”: passeggio nel Prado, e osservo 

questi quadri fatti solo di sfondi, e penso che vorrei 

essere come un pittore che lavora la materia viva, con 

le mani, con un attrezzo, si sporca, si intossica. Scrivere 

una musica senza figure, solo lo sfondo, ma sempre 

cangiante, di un azzurro strano come gli sfondi di 

Patinir. “Mi sviscero in un lampo”: caro Edoardo 

[Sanguineti], quanto mi sarebbe piaciuto che tu avessi 

potuto ascoltare questo mio svisceramento. Sono 

arrivato tardi, o tu te ne sei andato presto. Ancora 

penso alla pittura, ai tagli di Fontana, e a quel tuo modo 

particolare di visitare un museo. Già non puoi ascoltare 

quest’orchestra grave che si taglia in un lampo, che si 

squarcia per aprirsi su una luce acuta. Già non puoi 

annusare l’odore di queste mie viscere infilate su 

pentagrammi. “Les adieux”: bisogna avere molta 

attenzione a scrivere degli addii, perché poi magari ti 

tocca davvero farli. Ho pensato a Beethoven, e poi a 

Haydn, e poi a Ligeti che pensa a Brahms, e poi ancora 

a te, Graziella, che già mi manchi. Fate attenzione alla 

recitato, struccato. Nel secondo si gioca con l’incanto 

della pulsazione accennata, che diventa puro gesto 

quando tocca il corpo estraneo che ferisce il proprio 

corpo; e allora si rilegge. Nella raccolta Cinque nudi, il 

saxofono si spoglia e prende in mano 

alcune delle sue maschere. Si guarda in 

uno specchio che non è lucido e che non 

è suo: le pedaliere della chitarra 

elettrica. Si scopre polimorfico di 

struttura e non per genere: polifonico, 

sottile come una linea, respira e basta, 

poi lascia litigare i propri “sé”. Improvvisa 

con due suoni mentre è incantato in un 

loop». Così Momi ci introduce invece a 

Ludica III: «Non è un brano con finalità 

didattiche; non è un brano “per” bambini 

quanto piuttosto “con” i bambini. Lo strumento è del 

tutto particolare e raro, non intimidisce solamente la 

particolarità della voce, ma il controllo del mezzo 

espressivo da parte dei bambini stessi, della possibilità 

d’interazione con altri strumenti e con l’elettronica. Non 

si è trattato dunque di comporre il suono prodotto da 

questo strumento particolare, ma di comporre il perché 

della loro presenza, cercando di giocare con le 

peculiarità che sono ben lontane dalle pratiche di 

disciplina di un ensemble strumentale. Il gioco torna a 

essere il tono da me scelto per questo lavoro atipico. 

L’elettronica è concepita per una tipologia di diffusione 

Lo-Fi, sul palco e con altoparlanti non potenti, 

l’ensemble è “piegato” a gesti forzatamente semplici, i 

bambini sono posizionati in tre gruppi distinti al centro 

dell’ensemble spazializzato. Scompongono il gesto 

degli strumentisti, li osservano per ricavarne dati, 

scimmiottano l’elettronica e reagiscono da bambini. 

Il lavoro è concepito per una formazione cameristica di 

piccole dimensioni, per non disperdere nulla dei gesti di 

meraviglia di ogni bambino». L’Ensemble Nikel 

ripropone infine Ludica II il 19 febbraio al Rachmaninov 

Hall di Mosca per il Magister Ludi Festival, e ancora, 

insieme a Cinque nudi, il 3 aprile al Felicja Blumental 

Center di Tel Aviv. 

fine, al doppio quartetto, uno in eco con le sordine di 

ferro, su uno sfondo di rane e grilli: m’è costato 

scriverlo». Vede la luce anche la versione definitiva di 

Canto per ensemble, in cartellone il 3 marzo al Großer 

Saal della Stiftung Mozarteum di Salisburgo. 

L’esecuzione, affidata all’Österreichisches Ensemble für 

Neue Musik diretto da Michel Galante, è legata al 

conferimento a Cattaneo del prestigioso Förderpreis 

2013 della Regione di Salisburgo; nel 

medesimo Concerto dei Premiati verrà 

eseguita anche musica di Georg Friedrich 

Haas, detentore del “Musikpreis” 2013. 

Canto viene proposto in anteprima da Michel 

Galante alla testa dell’Argento Chamber 

Ensemble il 23 febbraio al TBA Lounge di 

New York nel contesto della manifestazione 

“Salzburg Biennale Preview”. Si chiede, e 

risponde, Cattaneo: «Perché Canto? 

In Canto cerco di ritrovare la continuità. 

La continuità della nota cantata e la sottile 

vibrazione della “messa di voce”. La cerco in due modi 

diversi: con il tratto lungo, oppure con l’unione dei 

frammenti. Con il primo sistema si segue una linea che 

si snoda e ci accompagna nel tempo. Con il secondo 

bisogna ricostruire la linea attraverso l’immagine riflessa 

delle possibili unioni dei punti. Così è il materiale 

musicale che si dipana come la matassa della lana, 

oppure si accartoccia come una sottile striscia di 

alluminio nel fuoco». 

Residenza presso il 

Divertimento Ensemble e una 

nuova serie di lavori solistici 

Jean-Luc Hervé 

Rêve de vol I per clarinetto e 

viola è in cartellone il 2 febbraio 

al Lavoir Moderne Parisien 

nell’interpretazione di 

Alexandre Chabod e Étienne 

Tavitian. Hervé terrà una serie 

di seminari e concerti nel mese 

di maggio in Cina, al 

conservatorio di Shanghai e 

all’università di Nanchang. 

Una prima italiana all’Auditorium 

Rai di Torino e il Förderpreis alla 

Biennale di Salisburgo 

5

Novità madrigalistica su un 

aforisma di Karl Kraus e Cd 

monografico col Divertimento 

Ensemble 

Esce un Cd monografico 

dedicato a un decennio di lavori 

per soli o piccoli ensemble 

6 

Novità per corno 

concertante dedicato ai 

“malestanti” spinti ai 

margini della Storia 

Stefano Gervasoni 

La voce del paradosso 

L 

uigi Gaggero propone l’8 maggio a Venezia per il 

Festival Pas-E, “Nuovi Madrigali Italiani”, alla testa 

dell’ensemble La Dolce Maniera, la prima di Fuga ante 

mortem per soprano, contralto, baritono e tre voci parlanti 

su testo di Karl Kraus. Spiega l’Autore: «È un brano tratto 

dalla mia opera Limbus-Limbo, di cui costituisce l’epilogo 

della sesta scena. Il testo, un aforisma di Karl Kraus (da 

Pro domo et mundo, 1912), recita semplicemente: “Esiste 

una vita prima della morte?”, ponendo con la forza del 

paradosso un quesito fondamentale, dalla valenza 

filosofica, religiosa, scientifica e sociale. La vita, vale la 

pena di essere vissuta? E come, allora? La musica – un 

fugato perpetuo a sei voci e sei diverse lingue in un 

improbabile stile barocco su un soggetto improbabilmente 

seriale – s’incarica di declinare l’universalità di questa 

domanda con una comicità leggera, vagamente stralunata 

e corrosiva, dissonante rispetto alla dimensione 

meditativa di questo momento corale dell’opera, allo 

scopo di sottolineare la disproporzione che intercorre tra 

la serietà del proposito e l’inadeguatezza delle risposte 

che il genere umano ha saputo darvi nel corso della 

storia. Tutto ciò, ovviamente, in rapporto alla vicenda 

fantasiosamente raccontata dall’opera, che vede alcuni 

personaggi storici costretti ad abbandonare le “comodità” 

di una vita perennemente in attesa di un destino finale a 

Giovanni Verrando 

Due fasi a confronto 

E 

sce in Francia il 12 febbraio per la casa discografica 

Æon il Cd monografico Dulle Griet, che propone i lavori 

da camera, per solisti e per strumenti elettrici composti 

da Giovanni Verrando tra il 2000 ed il 2010, 

nell’interpretazione dell’Mdi Ensemble e di RepertorioZero, 

sotto la direzione di Pierre-André Valade. Scrive Pierre 

Michel nelle note del Cd: «Giovanni Verrando è uno dei 

compositori importanti della nostra epoca. Dopo un Cd 

interamente consacrato alla sua produzione orchestrale 

(Orchestral Works, Orchestra Sinfonica Nazionale della 

Rai, dir. Pierre-André Valade, Stradivarius 2008), il 

presente Cd affronta i piccoli ensemble e i solisti 

attraverso opere appartenenti a quelle che il compositore 

definisce le sue “due fasi”. Infatti fino al 2005 la sua 

musica si è sviluppata attraverso campi armonici (Sottile, 

Il ruvido dettaglio celebrato da Aby Warburg, i tre Quartetti 

d’archi); nella seconda fase, dopo quella data, egli ha 

concentrato le proprie ricerche sulla parte inarmonica dello 

spettro, sul rumore e sulle microproprietà del suono 

(Triptych, Memorial Art Show, Dulle Griet ), in relazione al 

suo testo teorico La nuova liuteria. Orchestrazione, 

grammatica, estetica». Oltre a Dulle Griet, traccia che dà il 

Riccardo Panfili 

Viandante al confine 

P 

rima esecuzione di Riccardo Panfili al Nikolaisaal di 

Potsdam: il 16 febbraio Antonello Manacorda dirige 

Alessio Allegrini e la Kammerakademie Potsdam in Out… 

per corno, percussioni e archi. Così il compositore 

presenta la nuova fatica: «Nel 1972 Vittorio De Seta firma 

un capolavoro d’indagine sociologica e d’intervento 

politico-culturale col documentario Diario di un Maestro: 

ci mostra la realtà quotidiana dei figli del sottoproletariato 

che vivono ai margini, o negli interstizi, delle società 

opulente; ci narra di un maestro che sfida l’inadeguatezza 

della scuola con un metodo pedagogico rivoluzionario. 

Durante una lezione il maestro invita a riflettere sul 

termine “benestante”. Con la naturale prontezza di chi non 

è ancora “adulterato”, un bambino trova immediatamente 

un’espressione folgorante per definire la propria classe 

sociale: i “malestanti”. Il pezzo è un omaggio ai 

“malestanti”, a quelli che la storia ha relegato ai margini. 

Agli esclusi, a quelli che il potere lo subiscono come un 

destino ridicolo e insensato. Il corno è il viandante, il 

proscritto. Entra in scena come un’incarnazione del 

seguito dell’abolizione papale del Limbo (realmente 

intercorsa nel 2007)». Di Stefano Gervasoni è possibile 

ascoltare in questi primi mesi del 2013 Masques et Berg 

per violino e viola il 17 gennaio alla Palazzina Liberty di 

Milano per la rassegna dell’Associazione Musica/Realtà, 

nell’interpretazione dei Solisti dell’Ensemble Risognanze, 

Livio Troiano e Marco Fusi; Whisper Not per viola e live 

electronics il 20 marzo all’Auditorium Gruppo 24 Ore di 

Milano per la stagione “Rondò”, con la violista Maria 

Ronchini; Epicadenza per percussione solista, doppio trio 

e cimbalom il 23 marzo al CFA Concert Hall della Boston 

University, con Mike Williams e l’Ensemble Sound Icon 

diretti da Jeffrey Means; infine Godspell per 

mezzosoprano e nove strumenti, sempre a Milano e 

sempre per la stagione “Rondò”, il 2 maggio nella Sala 

conferenze del Museo del Novecento. L’etichetta 

Stradivarius ha pubblicato un Cd monografico dedicato a 

Gervasoni, Least Bee (STR 33780), interpretato da 

Sandro Gorli alla testa del Divertimento Ensemble, che 

comprende appunto Godspell, col mezzosoprano Sonia 

Turchetta nella parte vocale, e In nomine R per flauto, 

corno inglese, clarinetto, percussione, pianoforte e trio 

d’archi. Il Cd verrà presentato l’11 febbraio allo 

Showroom Fazioli di Milano. 

titolo all’intera raccolta, il Cd contiene il ciclo dei brani 

solistici First, Second e Third Born Unicorn, che vanno dal 

flauto amplificato al violino elettrico, il Quartetto n. 3 per 

archi, Il ruvido dettaglio celebrato da Aby Warburg e infine 

Triptych #2, composto espressamente per RepertorioZero. 

Negli altri paesi europei il Cd verrà pubblicato nei mesi di 

marzo e aprile, quando si renderà disponibile anche sulle 

principali piattaforme nel web. In questi mesi Giovanni 

Verrando sta portando a termine due commissioni per il 

2013, a cominciare da Multiplicity per quattro 

percussionisti e orchestra, commissionata da Kroumata e 

dalla Symphony Orchestra of NorrlandsOperan; la prima 

esecuzione è prevista in autunno. Nel medesimo periodo 

verrà presentato il secondo brano, Travelling icon on 

rabbit-skin glue per nove esecutori, commissione 

dell’Orchestra della Toscana per il Festival Play It! 

Si sta infine preparando la traduzione inglese, curata 

da Laura Davey, del volume La nuova liuteria. 

Orchestrazione, grammatica, estetica, che uscirà nella 

primavera 2013, in collaborazione con il Dipartimento di 

Ricerca del Conservatorio della Svizzera Italiana di 

Lugano. 

diverso, dell’alterità, del margine. Racconta la sua storia, 

che non appartiene alla Storia. Racconta il suo viaggio 

incessante. Per sparire nel margine e nell’oblio. 

Generazioni senza nome: Out… Il pezzo nasce come 

pezzo da concerto – o meglio come visione, sogno, 

rêverie – per corno e quattro percussioni: commissione dei 

Tetraktis Percussioni, ensemble con cui da anni ho 

intrecciato un fruttuoso sodalizio artistico. Su richiesta di 

Alessio Allegrini, ho riscritto il pezzo, rimodulandolo per 

corno, percussioni e archi. Non si tratta di una 

“trascrizione”, bensì di un ripensamento: intere sezioni 

sono state riscritte e molti passaggi modificati. 

Riguardando la partitura mi accorgo di aver evidenziato i 

margini, le zone di confine: le luci fioche che rischiarano le 

notti degli esuli e dei proscritti». Proprio i Tetraktis, 

coadiuvati dal clarinettista Alessandro Carbonare, hanno 

eseguito il 15 gennaio alla Sala Verdi del Conservatorio 

“G. Verdi” di Milano, per la stagione della Società del 

Quartetto, F for Fake per clarinetto e quartetto di 

percussioni.

Ennio Morricone 

Contrappunti e improvvisazioni 

R 

oberto Prosseda propone il 23 febbraio a Roma, 

nell’Aula Magna dell’Università La Sapienza, per la 

rassegna dell’Istituzione Universitaria dei Concerti, 

la prima esecuzione assoluta di Studio IV bis per 

pedalpiano. Il pianista così introduce il progetto da lui 

promosso: «Chiamato anche “Pedalflügel” in Germania 

o “Pedalpiano” nei paesi anglofoni, il piano-pédalier è 

un pianoforte a cui è abbinata una pedaliera di tipo 

organistico, collegata a una seconda cordiera. Derivato 

dal clavicembalo con pedaliera, per il quale Bach ha 

composto le sei Sonate in trio BWV 525-530, il pianopédalier 

si diffuse nell’Ottocento soprattutto in Germania 

e Francia ed ebbe i maggiori sostenitori in compositori 

come Schumann, Liszt e Alkan. Il repertorio per pianopédalier, 

nonostante gli entusiasmi ottocenteschi, 

rimane tuttavia ancora molto ristretto. Per questo ho 

pensato di sollecitare alcuni compositori che stimo a 

scrivere nuovi brani per piano-pédalier. Tra i primi che 

hanno risposto al mio appello vi è Ennio Morricone, che 

nel 2011 ha composto lo Studio IV bis, brano che 

eseguirò in prima assoluta nell’ambito di un recital al 

piano-pédalier per l’Istituzione Universitaria dei 

Concerti. Si tratta di una composizione derivata dal 

preesistente Studio n. 4 per pianoforte di Morricone, 

caratterizzato da una limpida e serrata scrittura 

contrappuntistica abbinata ad accentuazioni sincopate 

da cui scaturiscono stimolanti sfasamenti metrici. 

Alla parte pianistica originale di questo Studio Ennio 

Morricone ha aggiunto una linea supplementare per la 

pedaliera, che ripropone il medesimo tema sincopato 

con valori raddoppiati. Ciò aggiunge alla trama 

Luca Antignani 

Verso l’idea 

P 

rima esecuzione assoluta il prossimo 26 aprile alla 

Salle Molière di Lione, con replica prevista al Musée 

Picasso di Parigi, per Étude sur “La vie” per cimbalom e 

ensemble, nell’interpretazione di Luigi Gaggero e 

dell’ensemble Les Temps Modernes. Così il 

compositore spiega il nuovo lavoro, «liberamente 

ispirato al dipinto La vie di Pablo Picasso, o per meglio 

dire ai suoi studi preparatori. Quello che più ha 

sollecitato la mia immaginazione è un abbozzo a 

inchiostro di china esposto al Musée Picasso di Parigi, 

nella cui stagione culturale il pezzo verrà ripreso. 

Il rapporto con un’opera d’arte visiva è sempre 

problematico: lungi dal ricercare un rapporto descrittivo 

con la tela, immagino di ripercorrere l’itinerario d’ordine 

procedurale che ha portato il pittore, in più tappe, 

all’esito finale dell’opera. Ciò che mi affascina, e che 

vorrei mettere in scena nel mio pezzo, è appunto 

questo percorso di avvicinamento progressivo all’idea, 

un cammino concettuale che implica molte correzioni e 

cambiamenti che procedono in parallelo con una presa 

di coscienza sempre più profonda dell’idea primigenia, 

quasi si trattasse di un’immagine che viene messa 

sempre più a fuoco nell’obiettivo d’una macchina 

fotografica. A confronto con gli schizzi citati, nella tela la 

figura prima appena abbozzata si rivela una donna con 

bambino, scompare il cavalletto, il braccio destro 

dell’uomo si nasconde dietro la donna, ecc. Si potrebbe 

stabilire una relazione con l’archetipo formale del tema 

con variazioni, ma solo a patto di considerare la 

variazione non come artificio decorativo bensì come 

una prospettiva generativa. Le ricomparse successive 

del soggetto seguono una logica assai ben individuata 

da Glenn Gould a proposito delle Variazioni Goldberg di 

Bach nel commento che “il tema non è terminale ma 

radiale, e le variazioni non percorrono una linea bensì 

una circonferenza”. Nel titolo del mio pezzo il concetto 

di studio è messo altrettanto in discussione: non si tratta 

infatti d’un lavoro su una o più tecniche strumentali, 

polifonica un colore più scuro, in virtù dell’ispessimento 

del registro grave, creando una maggiore “profondità di 

campo” nel disegno contrappuntistico». L’etichetta 

Stradivarius ha pubblicato un Cd monografico dedicato 

a Ennio Morricone, Lemma (STR 33876), interpretato 

da Rocco Parisi, clarinetto e clarinetto basso, Andrea 

Noferini, violoncello, Gabriele Rota, pianoforte, e dal 

Quartetto Noferini. L’album comprende un trittico di 

composizioni scritte da Ennio Morricone in 

collaborazione con il figlio Andrea – Lemma per due 

clarinetti e due pianoforti, Ipotesi e Traccia per clarinetto 

e pianoforte – e altre sette composizioni cameristiche: 

V Studio (Catalogo) per il piano-forte, Come un’onda 

per clarinetto basso, Riflessi, tre pezzi per violoncello, 

Vivo per trio d’archi, A L.P. 1928 per quartetto d’archi e 

Metamorfosi di Violetta per clarinetto e quartetto d’archi. 

Sui primi tre lavori (Lemma, Ipotesi e Traccia) si è 

espresso in questi termini Ennio Morricone: «Queste tre 

composizioni nascono da un’idea originalissima che, da 

informazioni avute, non ha riscontro nella pratica della 

composizione mondiale. Sono praticamente una strana 

improvvisazione scritta. Mi spiego: io e mio figlio Andrea 

(compositore e direttore d’orchestra) abbiamo composto 

senza consultarci ma fissando dei parametri 

condizionanti (velocità, tessitura degli strumenti, durata, 

dinamiche ecc. ecc.), io di un pezzo la parte di 

pianoforte e Andrea dello stesso pezzo la parte di 

clarinetto (Ipotesi). Di Traccia abbiamo invertito gli 

incarichi. […] Lemma è invece l’esecuzione simultanea 

di Ipotesi e Traccia con due clarinetti e due pianoforti». 

bensì di un percorso progressivo di conoscenza che 

instaura un rapporto analogico con gli schizzi di 

Picasso. Studio dunque come presa di coscienza, 

illuminazione di differenti punti di vista. Nell’organico 

particolare importanza va riservata al cimbalom: da 

diversi anni (nei Vier Lieder nach Bernhard e in The Pit 

and the Pendulum) mi rivolgo a quello strumento per 

creare universi sonori inediti, evocare atmosfere di 

matrice popolare e al tempo stesso allargare l’orizzonte 

organologico usuale: questo pezzo mi offre finalmente 

l’occasione di costruire attorno allo strumento un intero 

concerto da camera». Un’ulteriore prima esecuzione 

assoluta vede come protagonista sempre Luigi 

Gaggero, ma questa volta in veste di direttore del 

gruppo vocale La Dolce Maniera, che proporrà l’8 

maggio, nel contesto del Festival Pas-E di Venezia, 

Barche amorrate per cinque voci su testo di Dino 

Campana. Spiega l’Autore: «Barche amorrate è un 

colpo di vento. O ancor meglio, alcune tra le tante 

sfumature che un colpo di vento può rappresentare. 

Sono vele che “schioccano, frustano, si gonfiano”… e, 

in ultima analisi, “tesson e tesson lamento”. Il testo di 

Campana, ricco d’immagini e sottili artifici retorici quali 

anastrofi, paronomasie, tmesi chiasmiche e catacresi, è 

fortemente madrigalistico. La musica emerge con 

grande naturalezza dal materiale fonetico del poema, 

materiale che sintetizza in se stesso il senso più intimo 

delle parole. L’obiettivo ultimo è una sorta di 

cortocircuito suono-significato, peculiare a tutti i più 

antichi archetipi comunicativi». Sarà infine possibile 

ascoltare di Luca Antignani Nome - Non nome per 

pianoforte e sei voci soliste su poesie di Mario Luzi il 28 

aprile per Les Rencontres Contemporaines di Lione, 

con replica il giorno successivo 29 aprile alla sala 

Utopia I della Haute École de Musique de Lausanne 

(HEMU), nell’interpretazione della pianista Ancuza 

Aprodu e dell’Ensemble Six Voix Solistes diretto da 

Alain Goudard. 

Novità per il raro pedalpiano 

e Cd monografico dedicato 

al repertorio da camera 

Il percorso creativo di Picasso 

e una lirica di Dino Campana 

all’origine di due novità 

7

Importante progetto di proposta 

in concerto e in registrazione 

degli autori del catalogo C.A.M. 

Concerti e Masterclass a 

Lione, esecuzioni a Madrid 

e la registrazione di un 

importante ciclo vocale 

Le celebrazioni per i 40 anni 

della scomparsa culminano 

in un allestimento a Bologna 

8 

Enarmonia Mundi 

Dallo schermo alla sala 

D 

alla collaborazione tra Centro Musica Contemporanea 

e Suvini Zerboni/SugarMusic è nato nel 2012 “Enarmonia 

Mundi”, ambizioso progetto di promozione musicale 

realizzato attraverso la creazione di un’area trasversale 

tra due settori della musica, tra la musica applicata alle 

immagini e la musica d’arte. Il progetto vede la presenza 

di autori noti al grande pubblico per le colonne sonore 

che hanno accompagnato pellicole indimenticabili, dei 

quali vengono presentati sia lavori appartenenti al mondo 

cinematografico sia lavori propriamente “da concerto”. 

L’esecuzione è affidata al New Made Ensemble, in 

residence presso il Centro Musica Contemporanea di 

Milano. Il New Made Ensemble eseguirà le partiture 

prescelte in orchestrazioni appositamente realizzate a 

cura della pianista e compositrice Rossella Spinosa, 

procedendo sia nell’attività di promozione dell’esecuzione 

dal vivo dei lavori stessi, sia nella registrazione dei 

programmi monografici. Il nuovo progetto è stato reso 

possibile grazie all’acquisizione da parte del Gruppo 

Luis de Pablo 

Il Maestro a Lione 

S 

erie di esecuzioni per Luis de Pablo nei primi mesi del 

2013. Il 21 gennaio l’Auditorio del Museo Nacional 

Centro de Arte Reina Sofía di Madrid ha proposto 

Federico Mompou in memoriam per violino, violoncello e 

pianoforte nell’interpretazione del Grupo Cosmos 21; 

la medesima sala ospiterà il 4 marzo il Grupo Sax- 

Ensemble diretto da José Luis Temes in Ouverture à la 

française per flauti e saxofoni, Fandango per quartetto di 

saxofoni e Corola per quattro saxofoni, pianoforte e 

timpani. Il Conservatoire National Supérieur Musique 

et Danse di Lione dedica a Luis de Pablo una 

manifestazione articolata in due concerti, tra cui un 

monografico, e una masterclass: il 16 aprile l’Instituto 

Cervantes di Lione ospita, nel quadro di MusiqEurope, 

un “Atelier/concert autour des pièces solistes de Luis de 

Pablo”, che prevede l’esecuzione, da parte dei Solisti 

dell’Atelier XX-21, di Monologo per viola sola, Monos y 

liebres per clarinetto basso e marimba, e Per violino per 

violino solo; nello stesso giorno, alla sera, Fabrice Pierre 

dirige l’Atelier XX-21 in Razón dormida per quattordici 

esecutori alla Salle Varèse del Conservatoire National 

Supérieur Musique et Danse, dove il giorno dopo, 17 

aprile, si terrà la Masterclass di Luis de Pablo con gli 

studenti del dipartimento di composizione dello stesso 

Bruno Maderna 

40 anni dopo 

N 

el quarantennale della scomparsa di Maderna, 

il Teatro Comunale di Bolognapropone in versione 

semiscenica Don Perlimplin, ovvero Il trionfo dell’amore 

e dell’immaginazione, opera radiofonica in un atto dalla 

commedia di Federico García Lorca. Precursore dello 

strutturalismo con Stockhausen e Boulez, Maderna lega 

il suo nome alla creazione dello Studio di Fonologia 

della Rai di Milano nel 1955, tra i principali centri europei 

di ricerca, sperimentazione e produzione musicale. 

A quell’epoca e a quell’esperienza è legato Don 

Perlimplin, del 1962, che nasce per la radio e s’ispira a 

una favola dialogata di García Lorca. Precede le recite 

del 3 e 4 maggio al Teatro Comunale un’anteprima il 2 

maggio al Teatro Rossini di Lugo di Romagna. Marco 

Angius dirige l’Orchestra del Teatro Comunale, Sonia 

Bergamasco (Belisa), Susy Blady (Marcolfa) e Patrizio 

Roversi (Il Narratore), mentre Francesco Giomi si 

occupa dell’elaborazione digitale e della regia del suono. 

Le altre attività celebrative in programma a Bologna a 

cura dell’Archivio Maderna comprendono: il 2 maggio, 

presso il Dipartimento delle Arti visive, performative e 

mediali dell’Università di Bologna, un incontro di studi su 

Maderna e gli anni Cinquanta coordinato da Mario 

Sugar del prestigioso catalogo editoriale della C.A.M. 

(Creazioni Artistiche Musicali) e prevede tappe pluriennali 

di produzioni monografiche dedicate ai compositori del 

catalogo, al fine di consentire una conoscenza a tutto 

tondo della musica di quegli artisti. Il calendario del 

progetto, ancora in via di definizione, contempla al 

momento due concerti tra maggio e giugno e altri tre tra 

settembre e ottobre. I programmi previsti includono un 

ritratto di Ennio Morricone, con musiche dai film Stanno 

tutti bene, I Malamondo, Il clan dei siciliani, L’eredità 

Ferramonti e pagine di musica assoluta tra cui Rag in 

frantumi per pianoforte solo, Notturno e passacaglia nella 

versione per clarinetto, violino e pianoforte, e Geometrie 

ricercate per ensemble; un ritratto di Luis Bacalov, con 

musiche da Il postino, Il cielo cade, La tregua e alcune 

composizioni da camera; un ritratto di Fiorenzo Carpi, con 

musiche dalle Avventure di Pinocchio e il Concertino per 

violino e pianoforte. 

Conservatorio. Intanto è uscito, in allegato al numero di 

Ottobre 2012 della rivista di arte, musica e letteratura 

«Sibila», la registrazione integrale, nell’interpretazione 

dell’ensemble Les Jeunes Solistes diretto da Rachid 

Safir, di Romancero per due soprani, due contralti, 

due tenori, due bassi su testi medievali spagnoli da 

Romancero viejo, nelle parole del compositore 

«senz’altro la vetta della poesia popolare spagnola. 

I suoi temi sono vari e sottili, la lingua ricchissima, 

l’importanza documentaria incalcolabile, i valori poetici 

costanti. È noto come il ritmo della frase spagnola sia 

l’ottonario, il metro del romance. Sfrutta inoltre la rima 

assonanzata e altre peculiarità tecniche che producono 

una certa uniformità d’accento, memoria della sua 

origine, ovvero il canto e la parola declamata. Dopo molti 

anni di lavoro con forme poetiche più colte, desideravo 

spingermi alle radici della mia lingua. Questo ne è il 

risultato. Ho scelto deliberatamente i testi più noti. In essi 

stanno fianco a fianco la cronaca politica e la storia a tinte 

forti, il lamento personale e l’avvenimento fantastico. 

Varietà che si riflette nella musica. Ho evitato la 

descrizione, avendo di mira una lettura attualizzante di un 

testo senza tempo che durerà quanto durerà la lingua 

spagnola». 

Baroni, discussants Gian Mario Borio e Veniero 

Rizzardi, con presentazione di un nastro maderniano 

inedito, dopo un restauro effettuato dal Centro di 

Sonologia Computazionale dell’Università di Padova: si 

tratta di un montaggio di materiali in parte noti, in parte 

nuovi (Hyperion IV ) che il compositore aveva preparato 

in vista di un Premio Italia (1969) al quale aveva poi 

rinunciato a partecipare. Seguirà il 6 maggio la 

proiezione di documenti video e l’audizione di 

composizioni elettroniche. Infine un concerto sinfonico, 

l’8 maggio, al Teatro Comunale con l’Orchestra dell’ente 

diretta da Elia Andrea Corazza. Saranno eseguite 

Composizione n. 2 per orchestra, Amanda per orchestra 

da camera e le Cinque Danze per pianoforte a quattro 

mani di Franz Schubert nella trascrizione per orchestra 

di Bruno Maderna. Da segnalare in questo periodo due 

ulteriori esecuzioni: Widmung per violino solo viene 

proposto il 20 febbraio da Lorenzo Gorli all’Auditorium 

Gruppo 24 Ore di Milano, per la rassegna “Rondò” del 

Divertimento Ensemble, mentre Musica su due 

dimensioni per flauto e nastro magnetico sarà invece 

interpretato il 22 marzo da Roberto Fabbriciani al Sonic 

Fusion Festival di Salford.

Francesco Hoch 

Ripensare la grammatica 

N 

ato a Lugano il 14 febbraio 1943, Francesco Hoch 

compie settant’anni. Formatosi al Conservatorio 

“G. Verdi” di Milano, poi con Bussotti, Stockhausen 

e Ligeti, fregiato col primo premio al Concorso 

internazionale di composizione per orchestra 

“Angelicum” di Milano, ha visto il suo catalogo, forte 

d’un centinaio di opere, eseguito in tutto il mondo. Il 70° 

compleanno viene celebrato questa primavera in 

Svizzera da due diverse manifestazioni. Il 23 marzo la 

Stagione del Teatro Sociale di Bellinzona ospiterà un 

concerto monografico interpretato dai Cantori della 

Turrita diretti da Daniela Beltraminelli, e da Barbara 

Zanichelli, soprano, Massimiliano Pascucci, tenore, 

Piotr Nikiforoff e Denis Monighetti, violini, Lara 

Bergliaffa, flauto, Vittorio Bongiorno, oboe, Luciano 

Zampar, percussione, Manuela Bernasconi e Francesca 

Sproccati, danzatrici. Nell’occasione sarà eseguita una 

scelta di lavori che coprono oltre un quarantennio di 

attività del compositore: Solo - Annuncio per tenore e 

percussione, Agli spettatori per coro a quattro voci su 

testo del compositore, Duetti per soprano e tenore su 

testi di vari autori, Postludio degli spettatori per coro a 

dodici voci, in prima esecuzione assoluta, Musica - Luci 

- Danza per cinque strumenti, due voci e danza, 

Hommage - Omaggio all’amore per coro a tre voci, e 

Stra… dire per soprano e danza. In questi termini il 

compositore presenta il concerto che gli sarà dedicato: 

«Accanto alle varie manifestazioni che vengono 

realizzate per il mio anniversario nel 2013, ho voluto 

proporre anche un concerto originale per la Città di 

Bellinzona, con la quale possiedo un particolare e 

quarantennale legame musicale per merito del coro 

I Cantori della Turrita diretti dal maestro Eros 

Beltraminelli che nel 1974 mi aveva commissionato il 

brano Agli spettatori inserendolo stabilmente nel suo 

repertorio e che sarebbe stato in seguito portato in 

numerosi paesi del mondo e cantato da più generazioni 

di coristi fino ai nostri giorni. Questo concerto vuole 

festeggiare anche questo anniversario. 

I Cantori della Turrita, in questo programma che 

attraversa vari generi artistici – la musica, la poesia, la 

danza e l’uso dello spazio scenico –, oltre Agli spettatori 

e al brano Hommage - Omaggio all’amore 

(tratto dall’Opera sulla borsa valori, The Magic Ring) per 

la prima volta nella versione corale, presentano in prima 

assoluta anche il Postludio degli spettatori, composto su 

un argomento di stretta attualità e a loro dedicato. 

Alternandosi con i brani corali, i due cantanti solisti, 

Barbara Zanichelli e Massimiliano Pascucci, all’interno 

di azioni sceniche interpretano i cinque Duetti su testi di 

poeti ticinesi. Gli interventi delle danzatrici Manuela 

Bernasconi e Francesca Sproccati avvengono sia nella 

caleidoscopica Musica - Luci - Danza con l’ensemble 

vocale-strumentale dislocato in vari punti del teatro, sia 

nel giocoso e spumeggiante labirinto di parole di 

Stra… dire, cantato e recitato dal soprano solista». 

Così invece l’Autore introduce la novità che sarà 

eseguita da I Cantori della Turrita: «Quasi vent’anni 

Luciano Berio 

T 

re esecuzioni per Sequenza I per flauto: il 15 marzo a 

Salisburgo, alla Salzburg Biennale, nell’interpretazione 

di un solista dell’Ensemble L’Art Pour l’Art, e il 22 

marzo al Sonic Fusion Festival di Salford, con Roberto 

Fabbriciani, mentre il 20 gennaio scorso il pezzo è 

stato proposto da Lorenzo Missaglia alla Sala Fontana 

del Museo del Novecento di Milano, nel quadro del ciclo 

“Per Luciano Berio” della stagione “Rondò”, in 

occasione del decimo anniversario della scomparsa del 

compositore. Il medesimo ciclo ospita il 16 marzo 

dopo l’ottimistico Agli spettatori, che invitava a essere 

attivi nelle decisioni, Postludio degli spettatori riflette 

l’esperienza della storia intercorsa, che ha portato al 

pessimismo rispetto alle speranze della progettazione 

di una nuova società più democratica. Il testo 

dell’Autore, distribuito tra i dodici gruppi che 

compongono il coro, accenna ai vari problemi sociali, 

dalle schedature in massa avvenute in Svizzera, al 

listino della borsa, con applausi, fischi, marce funebri, 

per terminare con un grottesco “siamo liberi, cantiamo”. 

La partitura in parte grafica, a mo’ di caleidoscopio, si 

conclude con una melodia in notazione tradizionale, 

quasi impossibile da cantare nel registro più grave». 

Il 20 aprile sarà invece il paese di Savosa a rendere 

omaggio al compositore con la manifestazione intitolata 

“Risuona! Ca’ Gioiosa”, un evento dedicato dal Comune 

di Savosa ai 70 anni di Francesco Hoch che 

coinvolgerà tutte le Scuole Comunali: un’offerta di 

musiche recenti e di novità assolute, vocali e 

strumentali, composte per l’occasione da Francesco 

Hoch per un pubblico liberamente itinerante, che 

ospiterà anche un colloquio col compositore. Verranno 

eseguiti Musica per la Ca’ Gioiosa, sette composizioni 

per ragazzi per coro parlato, cantato, forbici, carta, 

motori, violino e violoncello, in prima esecuzione 

assoluta; l’azione musicale Sogno dall’Inaugurazione 

(da “Musica per l’Inaugurazione”: nove interventi su 

“Miniature” ), su testi di Francesco Hoch, Giorgio Hoch 

e Rocco Filippini tratti dal libro Ca’ Gioiosa; Su gentile 

invito, quattordici piccoli inviti dislocati nello spazio per 

violino e violoncello; Es ist Zeit per flauto solo. Ne 

saranno interpreti i Cori e gruppi strumentali di Allievi 

della Scuola elementare di Savosa preparati e diretti da 

Margherita Brazzola-Bruschetta, alcuni strumentisti 

Professori dell’Orchestra, del Coro e del Conservatorio 

della Svizzera Italiana, insieme al Duo Carlo e Anna 

Tomasone, violino e violoncello, Lara Bergliaffa, flauto, 

Piotr Nikiforoff e Denis Monighetti, violini, Massimiliano 

Pascucci, tenore, Luciano Zampar, percussione, e 

Barbara Misiewicz, violoncello. Di Musica per la Ca’ 

Gioiosa, il compositore scrive: «I vari brani sono adatti 

anche ad allievi in età scolastica. Sono scritti con 

notazione grafica. In vario modo presentano la tematica 

musicale-compositiva attorno all’idea del rapporto tra 

ordine e disordine. Didatticamente ci si può porre il 

problema di quanto è ordinata una musica, di quanto è 

ordinato il mondo circostante, di quanto siamo ordinati 

o disordinati noi, di quando incomincia un ordine e di 

quando incomincia un disordine. Ordine e disordine 

si mescolano continuamente a vari livelli. Queste 

composizioni, scritte appositamente per la 

manifestazione proposta dal Comune di Savosa in 

occasione del mio 70° compleanno, sono dedicate alla 

maestra Margherita Brazzola-Bruschetta che ha accolto 

subito con entusiasmo l’idea di eseguirle in prima 

assoluta con i suoi Allievi della Scuola elementare di 

Savosa, durante la serata che ho intitolato Musica per 

la Ca’ Gioiosa». 

Mutazioni e Perspectives per nastro magnetico, alla 

Sala della Balla del Castello Sforzesco, il 13 aprile 

Thema (Omaggio a Joyce) per nastro magnetico, nella 

medesima sede, e il 21 aprile Cinque variazioni per 

pianoforte al Museo del Novecento. Il 7 marzo, infine, 

Pietro Borgonovo dirigerà l’Ensemble dell’Orchestra 

del Teatro dell’Opera di Roma nella Serenata per flauto 

e 14 strumenti nella Sala Accademica del Conservatorio 

di Santa Cecilia per i Concerti da Camera del Teatro 

dell’Opera di Roma. 

La Svizzera italiana celebra i 70 anni 

del compositore con un concerto 

monografico e un evento che 

coinvolge un intero paese 

Giorgio Gaslini 

Recital Songbook, sedici 

canzoni su testi dell’autore per 

voce femminile e sei strumenti, 

è in programma il 3 febbraio 

all’Auditorium Celesti di 

Desenzano, per il V Festival del 

Ned Ensemble nella Stagione 

Concertistica “Città di 

Desenzano”. Andrea Mannucci 

vi dirige Laura Conti e il Ned 

Ensemble. 

La lirica di Mario Luzi 

accompagna e ispira la ricerca 

di confine cara al compositore 

9

Vittorio Montalti 

Commissione della 

Verona Opera Academy 

e una prima pianistica 

Franco Venturini ha eseguito 

Don’t Shoot The Piano Players 

per pianoforte solo il 4 gennaio 

alle Torri dell’Acqua di Budrio, 

per la Fondazione Cocchi, 

limitatamente ai movimenti 

II. Keith e III. Friedrich, e in 

versione integrale il 18 gennaio 

all’Istituto Italiano di Cultura di 

Parigi. 

10 

Pasquale Corrado 

Maschere tragiche del potere 

L 

a Verona Opera Academy, nell’ambito del progetto 

OperaNova sostenuto dalla Fondazione Arena di Verona, 

ha commissionato a Pasquale Corrado l’opera in un 

prologo e otto scene Mr. Macbeth su libretto di Julio 

Garcia-Clavijo. L’opera sarà messa in scena nella 

prossima stagione al Teatro Filarmonico di Verona con la 

regia di Luigi Di Gangi e Ugo Giacomazzi, la scenografia 

di Alessandro Turoni e i costumi di Giulia Giannino. La 

commissione rientra nel progetto di opere nuove tratte da 

soggetti verdiani nel bicentenario della nascita del 

compositore. Queste le motivazioni dell’Autore 

nell’affrontare il soggetto shakespeariano: «Ma chi è il 

Macbeth dei giorni nostri? Il “terrorismo” di oggi viene 

esercitato dai mercati finanziari, le multinazionali di traffici 

loschi, le grandi industrie come quella farmaceutica e le 

agenzie di rating che determinano con i loro 

declassamenti e promozioni le sorti di intere nazioni. 

Ora alla guerra si gioca con armi che uccidono con 

maggior sottigliezza e maggior efficacia. Poi c’è 

l’oscurantismo, l’assenza di spiegazioni da parte dei 

circoli del potere, il controllo della popolazione attraverso 

inganni contorti, il sentire in continuazione che non può 

che essere così, che non ci sono alternative a questo 

sistema malato; non si intravede all’orizzonte nessuna 

foresta di Birnam a riportare il bene. Per di più, a volte, 

invece di fare avanzare questa metaforica foresta contro 

quelli che dovrebbero essere puniti, mettiamo il tappeto 

rosso sotto i loro piedi e li riconosciamo come eroi. Il 

regno scozzese di Shakespeare diventa, nel nostro 

progetto, una grande impresa. Si tratta di un’azienda non 

produttiva, cioè, di una macchina che moltiplica 

esponenzialmente il denaro che mal nutre e gonfia il 

nostro sistema economico. Duncan è il presidente 

dell’azienda; la corte dei nobili, il consiglio di 

amministrazione; Macbeth e Banquo giovani finanzieri 

rampanti; Lady la segretaria del capo; e le streghe, 

composte da una sorta di coro, sono sempre in mezzo a 

loro, figure “casuali” che non rappresentano il male in sé 

ma che vengono utilizzate da Macbeth di volta in volta 

per dare voce a quelli che sono i suoi desideri nascosti. 

L’intento è di mostrare attraverso la metafora economica 

la distruzione delle relazioni intime, d’amore e d’amicizia 

e soprattutto di quella con se stessi. Da ciò deriva la 

concentrazione su pochi personaggi – Duncan, padre 

padrone, Macbeth e Banquo amici fraterni – e sulla storia 

d’amore tra Lady e Macbeth. Duncan è un self made 

man, con i suoi personali valori: crede negli “uomini” che 

si è coltivato, ha un’etica aziendale, ed è monco di altri: è 

un po’ laido, ama le donne, il denaro, è egotico; un padre 

putativo che stima i suoi finanzieri e si fida di loro, un 

amore vanesio e condizionato, non intende infatti lasciare 

il suo incarico a nessuno. Banquo lavora come Macbeth 

alla Duncan Company da almeno 15 anni, i due sono stati 

scelti da giovanissimi e sono paritetici nella gerarchia 

Christophe Bertrand 

Il Festival UltraSchall di Berlino ha ospitato il 18 gennaio 

il Kammerensemble Neue Musik Berlin in Hendeka per 

flauto, violino, viola, violoncello e pianoforte; il 19 

gennaio l’Ensemble Linea diretto da Jean-Philippe Wurtz 

in Satka per flauto, clarinetto, violino, violoncello, 

pianoforte e percussione, entrambi alla St. Elisabeth- 

Kirche; il 20 gennaio l’Arditti String Quartet in Quatuor II 

per quartetto d’archi al Theater der Universität der 

Michele dall’Ongaro 

Il pianista Aldo Orvieto e l’Orchestra di Padova e del 

Veneto hanno in programma nel mese di aprile la 

registrazione di La primavera per pianoforte e orchestra 

d’archi, Freddo per violino, violoncello, pianoforte e 

orchestra, e Checkpoint per orchestra, in previsione della 

pubblicazione di un Cd monografico. Una novità di 

Michele dall’Ongaro, un Concerto per pianoforte e 

orchestra scritto per il solista Maurizio Baglini, sarà 

aziendale. Non esistono protagonista e antagonista nel 

senso che non crediamo nel buono e nel cattivo, 

semplicemente, nel momento in cui si sviluppa la storia, 

le circostanze come costellazioni si sono allineate a 

favore di Macbeth. Di Lady ci interessa la demolizione di 

una storia d’amore, un rapporto di coppia a un bivio, in 

cui Lady non è più disposta a sottostare alle dinamiche di 

una relazione clandestina e a subire il maschilismo del 

“vecchio porco”. La loro relazione, al principio solida, una 

volta pubblica approda alla sua distruzione, 

probabilmente proprio per il modo in cui è stata 

legittimata. Macbeth è un cavallo di razza che salva 

l’azienda con la sua genialità e che si lascia vincere 

dall’ambizione. Mostriamo il percorso di autodistruzione di 

un uomo che inizia la sua carriera felicemente e che si 

trasforma in una mela marcia dalla pelle perfetta, 

condannato a non poter più dormire, vittima del suo 

successo. Il nostro Macbeth avrebbe commesso 

ugualmente gli omicidi al di là delle streghe e di Lady, 

perché avrebbe incontrato l’appoggio di qualche altro 

segno o referente. L’intervento delle “streghe” e la 

sollecitazione di Lady sono qui solo interpretazioni 

cercate o provocate da lui per annullare il suo senso di 

colpa per ciò che già desidera da tempo. Le nostre 

streghe sono dentro Macbeth, che ascolta dei segni e li 

decodifica a suo piacimento. Non per questo vanno 

sminuite, tanto meno le “predizioni” che Macbeth stesso 

ricava dalle loro parole devono essere meno potenti. 

Le circostanze ci aiuteranno a portare avanti la storia di 

forma polivalente: come narratori, come comparse o 

come rappresentanti del quotidiano». Il 12 febbraio 

Alfonso Alberti presenta in prima esecuzione assoluta al 

Conservatorio “G. Verdi” di Milano, per l’Associazione 

Musica/Realtà, Dactylos per pianoforte. Così lo descrive il 

suo Autore: «Dactylos è come un pianoforte che suona 

parole. Parole incontenibili, sfuggenti, velocissime. 

Il brano scorre inarrestabile fino quasi a guizzare sotto le 

dita del pianista. Segni e simboli che diventano suoni 

meccanici, ossessivi, martellanti. Costruito secondo uno 

schema ritmico pulsante, il brano prende forma anche 

attraverso un’attenta gestualità esecutiva. Dactylos è la 

rappresentazione musicale di un corpo umano in azione 

nello spazio come un’opera d’arte divisa tra le tenaglie 

della materia e l’agilità dell’astrazione. Il brano 

contrappone la compostezza del corpo alla frenesia della 

narrazione, trovando il punto di contatto tra questi due 

universi nella rapida ma composta gestualità della 

digitazione delle noteparole. Dactylos esplora la tensione 

della “calma apparente”, territorio dove la forza del 

carattere si oppone ai vincoli dello spazio, facendo 

apparire quieto un animo in tempesta». È stato infine 

possibile ascoltare Wam per tromba e elettronica il 25 

gennaio al Soho di Copenhagen, nell’interpretazione di 

Jonas Wiik. 

Künste. Okhtor per orchestra è invece in cartellone il 

1° febbraio a Colonia, alla Kölner Philharmonie, per la 

rassegna Musik der Zeit nell’interpretazione del WDR 

Sinfonieorchester Köln diretto da Emilio Pomarico. 

Virya per flauto, clarinetto, pianoforte e percussione è 

infine programmato per il 21 febbraio nell’esecuzione 

del Mangalam! Trio al Palais de Beaux Arts di Bruxelles, 

nel quadro della rassegna “Ictus Zone”. 

proposta in prima assoluta al Teatro Dal Verme di Milano 

il 9 maggio, con replica l’11 maggio, dall’Orchestra 

I Pomeriggi Musicali, committente del lavoro, sotto la 

direzione di Fabien Gabel. Il Presidente della Repubblica 

Giorgio Napolitano, Capo dell’Ordine al Merito della 

Repubblica Italiana, ha conferito al compositore Michele 

dall’Ongaro l’onorificenza di Cavaliere.

Valerio Sannicandro 

Dar voce al respiro 

La conclusione della residenza di Valerio Sannicandro 

presso il Philharmonisches Orchester Cottbus 

è coronata da un dittico di prime 

esecuzioni assolute allo Staatstheater 

Cottbus: l’11 e il 13 gennaio Marc 

Niemann ha diretto la compagine 

committente in Windströme; il 22 e il 24 

febbraio Evan Christ la guiderà in 

Seelenströme, entrambi per orchestra. 

Così il compositore presenta il dittico, 

«composto da due brevi (ca. 7 minuti 

l’uno) ma estremamente caratterizzati 

lavori per orchestra. Sulla scia dell’idea 

di una composizione musicale che 

trascenda il semplice hic et nunc (come 

in Ius Lucis) questi due pezzi nascono 

quasi come un esperimento: potrò in 

futuro, grazie alle tecniche dell’elettronica musicale, 

creare tra due orchestre fra loro distanti che suonano in 

sincrono ognuna uno dei due pezzi, una terza 

composizione che combina e reinterpreta gli elementi 

musicali in una differente prospettiva musicale? Per 

adesso però posso solo descrivere le connotazioni 

precise di queste due idee musicali: il primo dei due 

(Windströme) presenta sonorità che ricordano il vento 

(con pochissime altezze riconoscibili), il secondo 

(Seelenströme) è fatto di linee melodiche microtonali e 

fittissime, spesso frammentate, che si aggregano e si 

diradano sempre in ppp. Fedele all’idea antica che 

l’anima sia identificabile col respiro, la concezione di 

questo dittico con la sua capacità d’introspezione 

dell’apparato orchestrale sposta l’accento espressivo 

su una dimensione antiretorica (pochissime impennate 

dinamiche, una distesa di particelle in movimenti 

microscopici e in modo uniforme al limite dell’udibile), 

si fissa su un’idea, su uno spazio ma anche su una 

moltitudine di tempi. Questi due lavori possono essere 

eseguiti separatamente, successivamente o addirittura 

(disponendo della tecnica necessaria) da due orchestre 

che suonano sincronizzate da un click-track per i due 

rispettivi direttori. Il carattere enigmatico del primo 

pezzo, costituito quasi esclusivamente da suoni 

soffiati o fruscii, provoca immediatamente 

un’immagine alquanto descrittiva. Messo però 

in correlazione con il suo pezzo gemello nuove 

prospettive e nuovi complessi sonori vengono 

alla luce: elementi (cellule melodiche per 

esempio) in comune, corrispondenze 

contrappuntistiche e relazioni tra masse sonore 

sono sublimate da una dinamica che resta, in 

generale, sempre tra il pp e il ppp. Il suono 

(soffiato) del flauto solista, amplificato da un 

microfono, viene proiettato all’estremità della 

sala, dando l’impressione, ancora, di uno 

spazio esteso, senza peso. Ed è questa 

immaterialità, confrontata però con il tutti 

orchestrale, che dona una sensazione di sospensione, 

dove l’estrema condensazione del suono strumentale 

dell’orchestra si confronta con la leggerezza e la 

rarefazione. Se in Windströme i suoni soffiati che 

imitavano il vento proponevano un’immagine 

naturalistica e quasi descrittiva, in Seelenströme sono 

le interferenze tra microtoni il vero protagonista. 

Le sottili vibrazioni date da un continuo pulsare di 

movimenti ritmicamente semplici ma molto serrati che 

restano generalmente nella dinamica del più piano 

possibile, determinano un paesaggio sonoro 

estremamente irreale. In questa cornice, però, due 

elementi delineati da una fisionomia riconoscibile 

affiorano: da una parte il suono del corno inglese 

(strumento che nel repertorio classico-romantico 

incarna un tipo di canto che definirei come intimista), 

dall’altro le percussioni che suonano delle pietre (un 

suono che rimanda a un certo naturalismo o se 

vogliamo a un simbolo) raccolte su una spiaggia, che 

rimane il mio luogo preferito di riflessione e 

meditazione». 

Andrea Manzoli 

Un personaggio multiforme 

Andrea Manzoli parteciperà al progetto NovOpera 

promosso dalla Verona Opera Academy e dalla 

Fondazione Arena di Verona con l’opera in due episodi 

Falstaff - La serie su libretto di Carlo Giuseppe 

Gabardini. Il nuovo lavoro teatrale 

sarà allestito nella prossima stagione 

al Teatro Filarmonico di Verona, con 

la regia di Francesco Marchesi, la 

scenografia di Federica Parolini e 

Matteo Martini, e i costumi di 

Stefania Barreca. La commissione 

rientra nel progetto di opere nuove 

tratte da soggetti verdiani nel 

bicentenario della nascita del 

compositore. Il lavoro, formato da 

due episodi di 35 minuti ciascuno, è 

ambientato nella “Locanda della 

landa locale”, in un medioevo “fantasy” che è in realtà 

un’epoca senza tempo. L’intreccio, che richiede sei 

interpreti, ruota attorno alla locanda dove Falstaff vive 

ormai da anni: tutti i personaggi lo conoscono, ne 

subiscono gli scherzi e nutrono un grande affetto 

verso di lui. Le vicende si dipanano in diversi momenti 

divertenti, in cui Falstaff con la sua arguzia riesce 

a gabbare i propri interlocutori in maniera 

meravigliosamente maieutica. E tuttavia il protagonista 

nasconde qualcosa di angosciante che ritorna dal suo 

passato. Così Manzoli ha interpretato il soggetto: 

«Falstaff è uno dei principali personaggi 

shakespeariani. Le sue vicende sono narrate in più 

drammi di qualsiasi altro personaggio e rimane come 

uno dei più avvincenti caratteri del Bardo. Questa sua 

serialità porta allo sviluppo della forma narrativa 

utilizzata. Solo un altro personaggio, come sostengono 

numerosi studiosi da Harold Bloom a Northrop Frye, è 

al pari di Falstaff per presenza, acume, 

intelligenza e arguzia: Amleto. Un filo 

rosso sembra collegare questi due 

personaggi: Amleto è un giovane 

brillantissimo angosciato dalle tremende 

vicende familiari, mentre Falstaff è ormai 

un uomo adulto che, probabilmente per 

staccarsi da un passato angoscioso, usa 

l’ironia e la maieutica come propria cifra 

e chiave di lettura del mondo. Studiando 

Shakespeare, questi personaggi 

sembrano maturare un rapporto sempre 

più stretto, tendono a fondersi, a essere 

l’uno l’evoluzione dell’altro. Come ha detto qualcuno: 

Falstaff è Amleto che non è mai tornato dall’Inghilterra. 

Questa evoluzione interpretativa e l’idea di fruibilità 

dell’opera accompagnano la creazione di questa che è 

un’opera sui generis. La forma narrativa adottata può 

essere definita come “Sit-Opera”: due episodi che 

ricordano le moderne serie televisive, con forma 

autoconclusiva, ma che al contempo contengono un 

teaser della puntata successiva, il tutto narrato 

musicalmente in forma operistica. Questa la sfida: unire 

due metodi narrativi estremamente distanti, che 

apportino al risultato finale l’eleganza, l’emozione e la 

profondità dell’opera unite alla fruibilità, alla brillantezza 

e alla complessa semplicità della serie televisiva». 

Si chiude con un doppio lavoro 

orchestrale la residenza presso il 

Philharmonisches Orchester Cottbus 

“Impulse” 

È uscito per l’etichetta Telos il 

doppio Cd Impulse (TLS 166) 

che comprende le registrazioni 

dal vivo di 24 prime esecuzioni 

assolute commissionate e 

interpretate dal 

Philarmonisches Orchester des 

Staatstheaters Cottbus nelle tre 

stagioni 2009/12, un progetto 

nato dall’iniziativa di Valerio 

Sannicandro durante il suo 

periodo di residenza presso la 

stessa orchestra. Tra questi 

lavori figurano Intra lumina per 

orchestra di Sannicandro, 

Seascapes per orchestra e 

spazio sonoro stereofonico di 

Nicola Sani, The Sinopia of 

Dulle Griet per orchestra 

amplificata di Giovanni 

Verrando, e Largo “en torno a 

una antigua canción popular” 

per orchestra di Luis de Pablo. 

Una “sit-opera” d’ispirazione 

intimamente shakesperiana 

per la Verona Opera Academy 

11

Prestigioso riconoscimento dal 

Messico, seminari in Italia e 

produzione multidisciplinare a 

San Francisco 

Metafore architettoniche 

all’origine di due novità a Radio 

France e Berlino e un madrigale 

su testo di Patrizia Valduga 

Ivan Vandor 

Il Quartetto Klimt propone il 23 

aprile al Teatro Verdi della 

Scuola Normale Superiore di 

Pisa, per I Concerti della 

Normale, il Klavierquartett per 

violino, viola, violoncello e 

pianoforte. 

12 

Javier Torres Maldonado 

Progetti e seminari 

N 

uova commissione per Javier Torres Maldonado, 

nominato per la terza volta membro del Sistema 

Nacional de Creadores de Arte da parte del Conaculta, 

il Consiglio Nazionale per la Cultura e le Arti del 

Messico, per il triennio 2013-15. 

Il progetto per i primi due anni consiste nella 

composizione di un pezzo per quartetto di saxofoni 

commissionato dal Sigma Project Quartet per il decimo 

anniversario d’attività, in coproduzione con il Festival 

Internazionale di San Sebastián e con il Conaculta. Il 

nuovo lavoro avrà la sua prima esecuzione 

all’Auditorium della Fondazione Gulbenkian. Dallo 

scorso settembre e fino al mese di febbraio Torres 

Maldonado è impegnato in attività seminariale al Centro 

per le Nuove Tecnologie (CNTM) presso i Kernelstudios 

di Milano con un seminario di composizione, 

composizione elettroacustica e orchestrazione 

computer-assistita dal titolo “Suono, virtualità, 

tecnologia e immaginazione: comporre la musica oggi”. 

Lo coadiuva il clarinettista Rocco Parisi del Dynamis 

Ensemble. L’11 ottobre scorso Torres Maldonado ha 

tenuto delle lezioni su Un posible día, quasi un 

radiodramma per soprano, attore, ensemble, 

sistema interattivo elettroacustico e video, e 

sull’orchestrazione computer-assistita nel contesto 

degli incontri di analisi e composizione promossi dal 

Conservatorio di Riva del Garda. Su Un posible día è 

disponibile un articolato approfondimento al link 

http://www.torresmaldonado.net/un_posible_dia.html. 

Tra le esecuzioni recenti e imminenti di musica di 

Javier Torres Maldonado si segnala innanzitutto 

Atlacualo, the Ceasing of Water, musica acusmatica 

per un’opera multidisciplinare, il 14 e 16 settembre 

2012 al CounterPULSE Theater di San Francisco 

nell’interpretazione del Navarrete x Kajiyama 

Experimental Dance and Theatre Company of San 

Francisco. L’opera è stata composta nel 2010 presso gli 

studi del GRAME di Lione. Nelle parole dell’Autore, 

Eric Maestri 

Geometrie sonore 

D 

ue i lavori nuovi di Eric Maestri nella primavera 2013. 

Tra aprile e maggio avrà luogo, nell’ambito del 

progetto “Alla Breve”, la registrazione e diffusione a 

Radio France di Tre case per clarinetto, 

pianoforte e trio d’archi, affidato 

all’Ensemble L’Instant Donné, 

in attesa della prima esecuzione in 

concerto, l’11 ottobre alla Biennale di 

Venezia. Spiega il compositore: «Tre Case 

è un titolo che vuole evocare una certa 

semplicità della visione degli elementi che 

compongono il discorso musicale, la sua 

grammatica e in particolare la sua sintassi. 

Se immaginiamo di vedere tre case da 

lontano in un panorama di campagna 

vedremmo tre profili e tre oggetti che tra di 

loro creano, senza alcuna necessità reale, 

pensata, una certa necessità per il semplice fatto di 

essere lì e di non potere essere altrimenti. Questa 

necessità non necessità, il caso che con il passare del 

tempo crea la necessità, è un fattore forte del mio 

processo creativo, forse il suo fulcro principale. Così le 

case sono cose sparse in un grande territorio che per 

puro caso, incoscienza, definiscono una storia. “Tre 

case” in una maniera dialettale può anche volere dire 

“qualche casa”, non sappiamo esattamente quante, ma 

non tante, come se il paesaggio fosse nella memoria 

ma non completamente chiaro e distinto». L’Ensemble 

Berlin Piano Percussion ha commissionato a Erik 

Maestri un nuovo lavoro, Four Walls per due pianoforti, 

due percussionisti e elettronica, che sarà presentato 

il prossimo autunno al Konzerthaus di Berlino. 

«Atlacualo reinterpreta l’antica mitologia e iconografia 

messicana per esplorare temi ecologici universali del 

nostro tempo, in particolare attorno all’acqua e al suo 

diritto. 

È un lavoro multidisciplinare che occupa l’intera serata 

e unisce danza, performance e arti visive, prodotto 

dell’incontro tra due artisti messicani che vivono a San 

Francisco, José Navarrete e Violeta Luna, e della loro 

collaborazione con l’artista ipermediale Ricardo Rivera, 

Javier Torres Maldonado e l’artista figurativa Lauren 

Elder, e con l’apporto del drammaturgo Roberto 

Varea». Il 19 ottobre 2012 il Festival Internacional 

Cervantino ha proposto al Salon del Consejo 

Universitario di Guanajuato, in Messico, Lacrymosa II 

per flauto, violino e pianoforte, nell’interpretazione 

dell’Ensemble Nuevo de Mexico: Wilfredo Terrazas, 

flauto, Ludwig Carrasco, violino, e Miguel Salmon del 

Real, pianoforte. Il 4 dicembre Fabrice Junger ha 

ripreso all’Espace Robert Martin di Lione il Primer libro 

del canto alado per ottavino, flauto in Sol, flauto e flauto 

basso. Espira I, Espira II per chitarra, pianoforte, violino 

e violoncello è stato eseguito da Vittoria Pagani, 

chitarra, Aleck Carratta, pianoforte, Momoko 

Kawamoto, violino, e Simon 

Thompson, violoncello, il 18 

gennaio, con replica il prossimo 15 

marzo, al Grosser Saal della 

Hochschule für Musik di Basilea. 

Infine, Tiento per violoncello solo e 

Alborada per saxofono soprano 

saranno proposti il 20 marzo alla 

Sala Silentium di Bologna 

rispettivamente da Nicola Baroni e 

Michele Selva. È uscita lo scorso 

dicembre, all’interno del Cd Musica mexicana para 

clarinete solo, vol. 3 (Cero Records, 821759510523), 

una nuova registrazione di Desde el instante per 

clarinetto, nell’interpretazione di Javier Binasco. 

Nelle parole di Maestri, «il titolo vuole significare l’idea 

della costruzione e della geometria. I quattro strumenti 

sono intorno a un altoparlante che fa da centro per 

un’elettronica da camera, o piuttosto da fulcro 

per una riflessione sulla proiezione e diffusione 

del suono. Si tratta di brani elettroacustici 

inseriti all’interno, in commento, contrasto, 

straniamento a suoni acustici conosciuti, come 

per esempio nella Symphonie Dechirée di 

Luc Ferrari o Déserts di Edgard Varèse. 

L’altoparlante è tutto, passe-partout per ogni 

tipo di timbro, sorgente anonima e velata, 

profondamente totemica. L’idea è che 

l’elettronica rappresenti l’evocazione del 

mistero del suono nella maniera più precisa, 

fenomenologica. Non è sorgente reale, 

rappresenta il suono producendolo come un 

idiofono, simulando la produzione di un suono come se 

la sorgente fosse nascosta all’interno di una scatola. 

L’elettronica, il pianoforte e le percussioni si trovano 

allora accomunati da questa produzione del suono per 

vibrazione percussiva di un corpo». Una terza prima 

verrà proposta a Venezia l’8 maggio, nel contesto del 

Festival Pas-E, “Nuovi Madrigali Italiani”, da Luigi 

Gaggero alla testa del gruppo vocale La Dolce Maniera, 

interpreti di Sto cadendo, ricado in me, scompaio... per 

quintetto vocale su testo di Patrizia Valduga. Di Eric 

Maestri sarà inoltre possibile ascoltare, il 28 aprile al 

Tenri Cultural Institute di New York, Autoritratto per trio 

d’archi e pianoforte, nell’interpretazione dell’Ensemble 

Open End.

Carmine Emanuele Cella 

Isole sonore 

L 

e Edizioni Suvini Zerboni inaugurano la 

collaborazione con Carmine Emanuele Cella, 

compositore, pianista e ricercatore nel campo delle 

relazioni tra musica e matematica. 

Formatosi al Conservatorio “G. 

Rossini” di Pesaro in pianoforte, 

musica elettronica e composizione, 

si è specializzato nel master in 

composizione presso l’Accademia di 

S. Cecilia sotto la guida di Azio 

Corghi. Dopo gli studi in filosofia 

all’Università di Urbino, ha 

conseguito il dottorato in logica 

matematica all’università di Bologna. 

Vincitore del 1° premio al Concorso 

“Egidio Carella” (2010) e del Premio 

“Petrassi” (2008), è stato finalista al 

premio internazionale Isang Yun (2011). Dal 2007 al 

2008 è stato ricercatore presso l’Ircam, dove si è 

occupato di problemi avanzati di sound indexing. 

Attualmente è composer in research presso lo stesso 

istituto. L’Auditorium San Fedele di Milano propone il 22 

aprile Improvviso statico per saxofono contralto e live 

electronics, nell’interpretazione del saxofonista Mario 

Marzi e dell’Autore al live electronics. La prima 

esecuzione assoluta del brano ha avuto luogo il 13 

ottobre 2012 alla Sala Accademica del Conservatorio 

S. Cecilia di Roma nell’ambito dell’EMUfest - Festival 

Internazionale di Musica Elettroacustica. Così il 

compositore descrive il lavoro: «Improvviso statico 

disegna uno spazio narrativo fatto di isole sonore che 

galleggiano in un mare di nebbia. Senza ragione 

apparente un’isola si avvicina, si allontana, scompare o 

riappare trasformata, in uno spazio irreale in cui le 

distanze sono interiori e le relazioni immaginarie. Ogni 

isola rappresenta un nastro di Moebius che viaggia dal 

dentro al fuori del suono in modo continuo; in ogni isola 

Federico Gardella 

Il silenzio e l’ascolto 

D 

ue le novità di Federico Gardella nella prima parte 

del 2013. Il 20 gennaio Akiko Kozato e Norio Sato 

hanno proposto al Nanko Sunset Hall di Osaka Mikro- 

Lieder ohne Worte per voce femminile e chitarra. Come 

spiega il compositore, questo lavoro 

«rappresenta il terzo momento di 

riflessione attorno all’universo del Lied, 

osservato nei suoi tratti più essenziali e 

microscopici; si tratta però, in questo 

caso, di canti senza parole in cui il testo 

è costituito da fonemi, frammenti di 

vocaboli immaginari, respiri e risa. Nella 

musica vocale, intesa come musica con 

un testo, la complessità della relazione 

tra musica e significato assume 

sfumature diverse rispetto a quanto 

avviene nell’ambito della musica 

strumentale: ho cercato allora di 

immaginare un territorio intermedio, una regione 

della vocalità in cui il significato della voce umana 

non fosse associato alla comprensione di un testo, 

ma venisse declinato nell’esperienza del suono e del 

suo ascolto». L’11 maggio spetterà invece al 

Quatuor Diotima presentare, al Casòn Hirschprunn 

di Magrè/Margreid, Esercizi di nubi per quartetto 

d’archi. Le ragioni della composizione sono proposte in 

questi termini dall’Autore: «Esercitarsi alle nubi significa 

esercitarsi a un elemento immateriale e multiforme: 

l’esercizio è, in questo senso, una pratica di ascolto 

prima di trasformarsi in una disciplina del gesto. 

È il silenzio prima dell’agire, è quella particolare 

disposizione muscolare che precede il movimento. 

L’esercizio non è quindi un allenamento, se ne discosta 

il saxofono e l’elettronica creano un’immagine sonora 

indissolubile, senza gerarchie, priorità e tempo. Il brano 

è dedicato a Enzo Filippetti e Giorgio Nottoli». 

Un’ulteriore prima esecuzione assoluta vede 

come protagonista Luigi Gaggero alla testa 

del gruppo vocale La Dolce Maniera, che 

presenterà l’8 maggio, nel contesto del 

Festival Pas-E di Venezia, Ali oscillano in 

fioco cielo, madrigale per quintetto vocale su 

testo di Salvatore Quasimodo. Spiega 

l’Autore: «Uno dei significati possibili della 

parola madrigale è quello di composizione “di 

lingua materna”. Anche se non è questa 

l’unica interpretazione, è certo che il rapporto 

con la lingua è fondamentale per il madrigale; 

un rapporto che, in ultima istanza, si misura 

sul significato delle parole e non sul puro 

suono in esse contenuto. Tale significato non può allora 

manifestarsi se non attraverso un pensiero armonico 

strettamente definito e attraverso un afflato figurativo di 

forte impatto. Il madrigale Ali oscillano in fioco cielo 

prende le mosse da versi di Quasimodo, parte della 

poesia Oboe sommerso: “Ali oscillano in fioco cielo, / 

labili: il cuore trasmigra / ed io son gerbido, / e i giorni 

una maceria”. Quello che colpisce, di questi versi, è il 

precipitare in essi racchiuso: da ali che oscillano in un 

fioco cielo si passa alle macerie, esempio unico di 

distruzione. Una caduta, appunto, è ciò che viene 

raccontato da questa breve composizione, dedicata a 

Luigi Gaggero e al suo ensemble». Carmine Emanuele 

Cella ha ricevuto una commissione congiunta dell’Ircam 

e di Radio France di un nuovo lavoro per orchestra e 

live electronics in programma il 7 giugno alla Salle 

Pleyel di Parigi nell’ambito del Festival ManiFeste: 

l’Orchestre Philharmonique de Radio France sarà 

diretta nell’occasione da Jukka-Pekka Saraste. 

per quella propensione al ripetere che lo avvicina alla 

definizione di rito. Esercitarsi a osservare le nubi, a 

indovinarne le forme, ad ascoltarne i mutamenti, per 

imparare a considerarle come una scrittura di cielo: 

sono questi i pensieri che mi hanno 

accompagnato nel comporre Esercizi di 

nubi, questo mio primo quartetto d’archi». 

Il 28 aprile sarà invece possibile ascoltare 

Im Freien zu Singen per sei voci femminili e 

pianoforte per i Rencontres Contemporaines 

di Lione, con replica il giorno successivo, 29 

aprile, alla Sala Utopia 1 della Haute Ecole 

de Musique de Lausanne (HEMU). Ne 

saranno interpreti l’Ensemble Six 

Voix Solistes diretto da Alain 

Goudard e la pianista Ancuza 

Aprodu. È uscito in questi mesi per 

l’etichetta Stradivarius il Cd 

monografico Livre d’arabesques 

(STR 33953), dedicato da Sandro 

Gorli e dal Divertimento Ensemble a 

Federico Gardella. L’album include 

Livre d’arabesques per oboe e 

ensemble, Estroso/Innerlich per 

violino, Im Freien zu spielen per clarinetto, violino, 

violoncello e pianoforte, Islands per violoncello e 

pianoforte, Tre studi sulla notte - Tre studi per riscoprire 

l’alba per pianoforte e Nebbiæ per ensemble. Il Cd – 

testimonianza dell’anno trascorso da Gardella come 

compositore in residenza nella passata stagione di 

Rondò 2012 del Divertimento Ensemble – verrà 

presentato l’11 febbraio allo Showroom Fazioli di 

Milano. 

Nuovo autore ESZ, formatosi 

con Corghi e all’Ircam, presenta 

nuovi lavori a Milano, Venezia 

e Parigi 

Sándor Veress 

Musica concertante per dodici 

archi è in cartellone alla Salle 

du Métropole di Losanna il 25 

marzo, con replica il 26, 

nell’interpretazione di Thomas 

Zehetmair alla testa 

dell’Orchestre de Chambre de 

Lausanne. 

Il primo quartetto d’archi, 

un’ulteriore novità in Giappone, 

un Cd monografico del 

Divertimento Ensemble 

Sandro Gorli 

José Ramón Encinar dirige il 23 

marzo al Musikene di San 

Sebastián l’Orquesta Musikene 

Pagina in On da a camera Delphic in Reed prima per oboe 

assoluta, e 17 strumenti. 

quasi un intermezzo 

13

Prima cameristica per una nuova 

rassegna cremonese dedicata 

alla musica del XXI secolo 

Esce la versione 

aggiornata di uno storico 

metodo per vibrafono 

Un manuale per strumenti a fiato 

pone alla base dell’intonazione 

la scala naturale 

14 

Luigi Manfrin 

Metafore sonore 

L’ 

edizione inaugurale della rassegna “Prospettive 

sonore del XXI secolo”, promossa dalla Facoltà di 

Musicologia dell’Università di Pavia, propone il 25 

febbraio al Teatro Monteverdi di Cremona la prima 

esecuzione assoluta di Embodying Surfaces per 

chitarra elettrica e percussione, nell’interpretazione di 

Michele Sanna e Francesco Ciminiello. In questi termini 

spiega l’Autore la genesi del nuovo lavoro: «Questo 

brano prende spunto da una composizione precedente 

per chitarra elettrica sola, che viene ampliata sia dal 

punto di vista dell’organico strumentale, con l’aggiunta 

della percussione, sia per quanto riguarda 

l’elaborazione del materiale musicale. Vi sono almeno 

quattro metafore compositive che fungono da base. 

La prima è la risonanza e concerne lo spazio sonoro. 

Vi è una scordatura microfonica prevista per la chitarra 

elettrica. Così com’è concepita, questa scordatura 

consente la generazione di rispondenze deformate, con 

riferimento alla dislocazione di blocchi accordali disposti 

su diversi registri dello spazio sonoro; la risonanza, 

tuttavia, è estesa anche al gioco degli echi timbrici tra 

chitarra e strumenti percussivi. La seconda metafora è 

inerente all’organizzazione temporale della 

composizione, ossia al gioco calcolato degli impulsi 

ritmici energetici. Tali impulsi, nella fase iniziale del 

brano, generano brevi aggregati ritmici-timbrici separati 

Antonio Buonomo 

da piccole pause. Tuttavia gli impulsi ritmici sono subito 

inglobati nella continuità, fungono cioè da germi 

cristallini che riflettono virtualmente la durata continua 

del tempo. Con l’immagine del germe cristallino, preso 

a prestito da Deleuze, veniamo alla terza analogia, di 

natura chimica. Trattasi della diluizione cristallina 

relativa alla presenza di fasi intermedie, dette mesofasi, 

in cui sono compresenti caratteristiche dello stato solido 

e liquido. Questa metafora, dal punto di vista musicale, 

si riferisce alla formazione paradossale di aggregati 

timbrici che appaiono quasi scolpiti alla maniera di 

blocchi apparentemente solidi, ma che 

simultaneamente delineano, per emergenza interna, 

una continuità fluida e elastica del tempo musicale. 

Infine, vi è la metafora germinativa dell’intera 

composizione che, con allusione a Merleau-Ponty, 

potrei chiamare “carne” sonora. La “carne” è soprattutto 

la metafora della ricezione di forze altrimenti insonore 

che attraversano, dilatano, contraggono, premono, 

deformano direttamente il campo. La “carne” è sensibile 

all’energia elettrica del suono, la quale, in alcuni 

momenti prolungati, passa in primo piano. Ciò avviene, 

ad esempio, nei momenti in cui prevale la densità 

materica, il rumore prodotto dal contatto diretto con la 

costituzione elettrica-materiale della fonte sonora». 

Insegnare le percussioni oggi 

L 

e ESZ pubblicano di Antonio Buonomo, Il Vibrafono. 

Tecnica, melodia all’italiana, improvvisazione jazz, un 

metodo pratico complessivo per lo strumento, 

comprensivo di 38 studi, un brano per vibrafono solista 

e pianoforte, lezioni sulla tecnica fondamentale a 2 e a 

4 bacchette, studi a doppie note e ad accordi, lezioni di 

improvvisazione jazz. L’Autore spiega in questi termini 

le ragioni di questa sua fatica: «Ai primi del Novecento 

l’apprendimento delle percussioni era riservato soltanto 

ai “figli d’arte”, perché i vecchi maestri erano gelosi del 

loro sapere e difficilmente accettavano di rivelare ad 

estranei i loro “segreti” professionali. In quell’epoca non 

esistevano studi noiosi e antimusicali perché l’unico 

metodo conosciuto per tastiere, datato 1919, riportava 

soltanto trascrizioni di classici o brani orchestrali. Oggi 

le cose sono cambiate e di studi per vibrafono, xilofono 

o marimba ve ne sono fin troppi; per cui è necessario 

operare una scelta. Il termine studio, nella sua 

accezione musicale classica, racchiude i significati di 

applicazione tecnica, basata su regole ben precise, 

analisi e ricerca interpretativa: parametri che 

Sauro Berti 

Ritorno alla natura 

È 

uscito per le ESZ il manuale di Sauro Berti Tuning. 

Esercizi di intonazione per strumenti a fiato. Il lavoro, 

spiega l’Autore, muove «dal principio che de facto nella 

pratica di uno strumentista a fiato, arco o cantante, il 

sistema tendenzialmente usato è quello della “scala 

naturale”, dove l’intonazione di ogni singola nota, 

intervallo o accordo si basa sulla stretta relazione con 

la tonalità alla quale appartiene. Adottando l’intonazione 

basata sulla “scala naturale”, raramente tenuta nella 

giusta considerazione dagli strumentisti a fiato anche a 

causa del sedimentato temperamento equabile di tipo 

“pianistico”, ogni nota deve avere una diversa altezza in 

relazione al grado occupato nella tonalità pertinente. 

La scala naturale quindi non corrisponde esattamente 

ai dodici semitoni dello strumento. […] Gli esercizi 

andranno realizzati con l’ausilio di un “generatore di 

andrebbero sempre rispettati, quando si scrive per 

studenti in via di formazione. Gli studi della prima parte 

di questa raccolta, scritti in varie epoche da Aldo, 

Antonio e Carmine Buonomo, si possono considerare 

dei classici della melodia all’italiana perché hanno 

conservato nel tempo il loro valore didattico, senza 

nulla perdere a livello di godibilità. Per la loro tematicità 

tonale appaiono ancora utilissimi per la formazione 

dell’orecchio musicale, per lo sviluppo della lettura e 

per acquistare il controllo e il dominio della tonalità. 

La tecnica, riveduta e ampliata, gli studi a doppie note 

e quelli ad accordi, sono stati ripresi, in massima parte, 

dal metodo La tecnica del vibrafono di Aldo e Antonio 

Buonomo (Milano, 1969). In tale volume il cosiddetto 

“metodo esecutivo” era preceduto da alcune nozioni di 

armonia che, a distanza di tanti anni, non era il caso di 

riproporre. Anche perché tutto quello che serve, a livello 

di nozioni teoriche, è riportato in Sapere per suonare, 

teoria pratica della musica per strumentisti e cantanti 

(Milano, 2006)». 

suoni” (spesso integrato negli accordatori elettronici) al 

quale faremo suonare la fondamentale indicata all’inizio 

di ogni pagina. Utilizzando un auricolare avremo una 

precisa sensazione dei battimenti che, lasciandoci 

guidare dall’orecchio, dovremmo cercare di eliminare. 

Sarà importante avere l’auricolare solo in un orecchio 

per non perdere il contatto con il nostro suono e 

sbilanciare la nostra attenzione. […] Gli esercizi sono in 

tutte le tonalità e doppia chiave per essere facilmente 

utilizzati da tutti gli strumentisti e dovranno essere 

trasportati nell’intera estensione del proprio strumento. 

[…] Consiglio di dedicare a Tuning qualche minuto 

all’inizio di ogni giornata, dopo il riscaldamento, per 

tornarci un paio di minuti ogni mezz’ora. Controllando 

così che la nostra emissione proceda con regolarità 

miglioreremo sicuramente anche la qualità del suono».

Prime esecuzioni as 

Prime Prime esecuzioni assolute 

assolute 

FEBBRAIO 


SELFPORTRAIT WITH ORCHESTRA 

per orchestra 

(Versione definitiva) 

Torino, Auditorium Rai, 8 febbraio 

Orchestra Sinfonica Nazionale della 

Rai 

dir.: Daniel Kawka 

Alessandro Solbiati 

MASQUES - VI movimento da: 

“Crescendo” 

Otto brevi brani in forma di studio 

per orchestra da camera 

Milano, Teatro Dal Verme, 10 febbraio 

Orchestra I Piccoli Pomeriggi Musicali 

di Milano 

dir.: Daniele Parziani 

Pasquale Corrado 

DACTYLOS 

per pianoforte 

Milano, Associazione Musica/Realtà, 

Conservatorio di Milano, 12 febbraio 

Alfonso Alberti, pianoforte 

Riccardo Panfili 

OUT… 

per corno, percussioni e archi 

Potsdam, Nikolaisaal, 16 febbraio 

Alessio Allegrini, corno 

Kammerakademie Potsdam 

dir.: Antonello Manacorda 

Valerio Sannicandro 

SEELENSTRÖME 

per orchestra 

Cottbus, Staatstheater Cottbus, 

22 febbraio 

Philharmonisches Orchester Cottbus 

dir.: Evan Christ 

Ennio Morricone 

STUDIO IV bis 

per pedalpiano 

Roma, Istituzione Universitaria dei 

Concerti, Università La Sapienza, Aula 

Magna, 23 febbraio 

Roberto Prosseda, pianoforte 

Nicola Sani 

ASTRATTO II 

per violino e violoncello 

Nagoya (Giappone), Studio Haru, 23 

febbraio 

Solisti del Trio Musica QuLakoza: 

Rika Soukawa, violino 

Hikaru Sato, violoncello 

Luigi Manfrin 

EMBODYING SURFACES 

per chitarra elettrica e percussione 

Cremona, Teatro Monteverdi, 

25 febbraio 

Michele Sanna, chitarra elettrica 

Francesco Ciminiello, percussione 

MARZO 


CANTO 

per ensemble 

(Versione definitiva) 

Salzburg, Salzburg Biennale, 

Musikpreis Salzburg, Stiftung 

Mozarteum, Großer Saal, 3 marzo 

Österreichisches Ensemble für Neue 

Musik 

dir.: Michel Galante 

Nicola Sani 

HALLUCINÉE DE LUMIÈRE PARMI 

LES OMBRES 

per oboe solo 

Pechino, Sala Poly, 10 marzo 

Arnaldo De Felice, oboe 

Marco Momi 

CINQUE NUDI 

per saxofono e stomp boxes 

Bruxelles, Festival Ars Musica, 

18 marzo 

Solista dell’Ensemble Nikel: 

Vincent Daoud, saxofono 

Ivan Fedele 

MUDRĀ 

per ensemble 

Lausanne, Haute École de Musique 

(HEMU), Utopia I, Grotte 2, 

18 marzo 

Ensemble Contemporain de l’HEMU & 

Namascae Lemanic Modern 

Ensemble 

dir.: William Blank 

Alessandro Ratoci, regia del suono e 

live electronics 

Marco Momi 

DUE NUDI 

per viola 

Milano, Rondò, Auditorium Gruppo 24 

Ore, 20 marzo 

Maria Ronchini, viola 


WHISPER NOT 

per viola e live electronics 


Ore, 20 marzo 

Maria Ronchini, viola 


SECONDO TRIO D’ARCHI 

Siena, Accademia Musicale Chigiana, 

Palazzo Chigi Saracini, 22 marzo 

Trio Stauffer 


POSTLUDIO DEGLI SPETTATORI 

per coro a 12 voci 

Bellinzona (Svizzera), Teatro Sociale, 

23 marzo 

I Cantori della Turrita 

dir.: Daniela Beltraminelli 


LUCE - VII movimento da: 




Milano, Teatro Dal Verme, 24 marzo 


di Milano 

dir.: Daniele Parziani

APRILE 


MUSICA PER LA CA’ GIOIOSA 

Sette composizioni per ragazzi, 

coro parlato, cantato, forbici, carta, 

motori, violino e violoncello 

Savosa (Svizzera), Scuole Comunali, 

20 aprile 

Duo Carlo e Anna Tomasone, violino e 

violoncello 

Cori e gruppi strumentali di Allievi della 

Scuola elementare di Savosa 

dir.: Margherita Brazzola-Bruschetta 


DODICI LIEDER da “Winterreise” 

Trascrizione per violino e viola 

(Prima esecuzione integrale) 

Saint-Dizier, Festival International 

Saint-Dizier Grand Der, Le Printemps 

de la Musique, 22-27 aprile 

Dejan Bogdanovic, violino 

Pierre-Henri Xuereb, viola 


ÉTUDE SUR “LA VIE” 

per cimbalom e ensemble 

Lyon, Salle Molière, 26 aprile 

Luigi Gaggero, cimbalom 

Les Temps Modernes 

Ivan Fedele 

PHASING 

per due pianoforti e due 

percussionisti 

Witten, Wittener Tage für Neue 

Kammermusik, 27 aprile 

Quatuor Makrokosmos 

Giorgio Colombo Taccani 

WATCHER 

per ensemble 

Milano, Teatro Elfo Puccini, 30 aprile 

Sentieri Selvaggi 

dir.: Carlo Boccadoro 

MAGGIO 

Nicola Sani 

GIMME SCELSI 

per ensemble e elettronica 

Köln, Festival Acht Brücken, Musik- 

Triennale, Grosser WDR Sendesaal, 

1 maggio 

Klangforum Wien 

dir.: Johannes Kalitzke 


LE SEI CORDE DI NICCOLÒ (I-V) 

per chitarra 

(Prima esecuzione del V movimento) 

Carpi, 4 maggio 

Luigi Attademo, chitarra 


BARCHE AMORRATE 

per cinque voci 

Venezia, “Nuovi Madrigali Italiani”, 

Festival Pas-E, 8 maggio 

La Dolce Maniera 

dir.: Luigi Gaggero 


FUGA ANTE MORTEM 

per soprano, contralto, baritono e 

tre voci parlanti 






E TU SEGUIVI 

Piccolo madrigale per cinque voci 





Eric Maestri 

STO CADENDO, RICADO IN ME, 

SCOMPAIO... 

per quintetto vocale su testo di 

Patrizia Valduga 





Carmine Emanuele Cella 

ALI OSCILLANO IN FIOCO CIELO 

per quintetto vocale su testo di 

Salvatore Quasimodo 





Michele dall’Ongaro 

CONCERTO 

per pianoforte e orchestra 

Milano, Teatro Dal Verme, 9 maggio 

Maurizio Baglini, pianoforte 

Orchestra I Pomeriggi Musicali 

dir.: Fabien Gabel 

Federico Gardella 

ESERCIZI DI NUBI 

per quartetto d’archi 

Magrè/Margreid, Casòn Hirschprunn, 

11 maggio 

Quatuor Diotima 

Marco Momi 

LUDICA III 

per ensemble, tre gruppi di bambini 

e elettronica 


Ore, 12 maggio 

Divertimento Ensemble 

I piccoli musicisti di Divertimento 

Ensemble (Laboratorio “Giocare la 

musica”) 

dir.: Sandro Gorli 


DANZA - VIII movimento da: 




Milano, Teatro Dal Verme, 26 maggio 


di Milano 

dir.: Daniele Parziani 

ESZ 

Il calendario completo delle esecuzioni, costantemente 

aggiornato, può essere consultato all’indirizzo internet: 

news EDIZIONI SUVINI ZERBONI 

www.esz.it 

Editore: Sugarmusic S.p.A. Galleria del Corso, 4 - 20122 Milano Tel. 02 - 770701 - E-mail: suvini.zerboni@sugarmusic.com - www.esz.it 

Direttore responsabile: Maria Novella Viganò - Responsabile del Settore Classica: Alessandro Savasta 

Redazione: Raffaele Mellace - Coordinamento di redazione: Gabriele Bonomo - Progetto e realizzazione grafica: Paolo Lungo - Traduzioni: Mike Webb 

Aut. del Tribunale di Milano n. 718 del 25-10-1991

ESZ NEWS N. 60 Febbraio 2013.pdf - Edizioni Suvini Zerboni

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